Архів подій. Квітень 2016

25 апреля. «Весенняя JAZZ – палитра»

Весенний JAZZ-ливень над «первой столицей»
В канун майских торжеств меломанов, как искрящийся ливень, окатил еще один праздник – Международный день джаза. 25 апреля в Харьковском национальном университете искусств им. И. П. Котляревского прогремел концерт «Весенняя JAZZ – палитра» студентов класса эстрадно-джазового вокала кандидата искусствоведения, доцента Натальи Дрожжиной. Участники концерта были настроены «драйвово». Весенний дождь за окнами, блестящие тротуары, шум ветра в свежей листве – всё это было в их музыке, все дышало джазом, расцвеченного яркими импровизационными красками молодости и весны.

Джаз – это не музыка, это стихия. Пожалуй, нет другого направления, которое вмещало бы в себя столь разные музыкальные культуры столь разных национальных традиций. Основой джаза была африканская музыка, для которой характерен сложный ритм – на этом ярком фундаменте возникло необычное здание, далеко теперь отстоящее от знойного континента, разнообразное и мало-предсказуемое по форме и наполнению.

Евгений Немцов, генеральный директор «НН Студии», проводившей запись концерта, ответил на мой вопрос о главном секрете джазовых концертов:
- Не на всех концертах больших мастеров присутствует такой брызжущий поток энергий, какой сегодня мы ощутили на концерте студентов консерватории. Джаз в музыкальной культуре – особое явление. Музыка без рамок, музыка свободы, поиска и мгновенного решения.  Джаз - это настроение. Когда идешь на концерт классической, рок или эстрадной музыки -  ты знаешь, что тебя ожидает. Когда идешь на джазовый концерт, ты не можешь предугадать, как пойдет концерт, как сложится настроение музыкантов, которое во многом может зависеть от настроения зала. Джаз это не то, что было, а то, что будет. У джазового музыканта вместо толстой партитуры – лист-набросок с темой. Джаз – это в первую очередь импровизация, поэтому он такой живой и бурно развивающийся. Почти все известные джазовые мелодии родились из импровизации. Это яркая, разноцветная музыка. В джазе возможно всё что угодно. В джазе нет границ. Именно в этом, на мой взгляд, причина его активности. Джаз – это неуёмно развивающееся направление. Классика, рок – свое главное слово уже сказали. Ничего нового в этих жанрах не появляется уже много лет. А джаз ежегодно продолжает удивлять своих поклонников всё новыми и новыми музыкальными идеями.

Декан оркестрового факультета ХНУИ им. И П. Котляревкого профессор М. В. Бевз:
- Все творческие проекты Натальи Дрожжиной отличаются большой личной включенностью педагога. Она всегда придумывает что-то особенное. И, если это  джаз, то он адаптирован таким образом, чтобы даже непосвященная публика, услышав как привычные знакомые темы и любимые мелодии, так и сложные импровизации, получила огромное удовольствие. Джазовые концерты проводятся в университете каждый год, но в моем восприятии сегодняшняя программа самая удачная. Сегодня мы услышали высокопрофессиональное исполнение сложнейших джазовых импровизаций с широким использованием звучания живых инструментов (медных, электроинструментов, ударной установки, народных инструментов и т.д.). Нельзя не отметить большую педагогическую работу по подбору концертного репертуара, максимально выявляющего творческие возможности молодых певцов. Любовная подача материала для раскрытия образа студентами говорит о том, что в классе ведется правильная методическая индивидуальная работа с каждым учеником. И это очень важно, чтобы каждый ученик «расцветал» как творческая личность! Ведь он тогда сможет максимально раскрыться и на сцене, выполняя сложную интонационную работу, на которой построено музыкальное искусство! Что касается чистоты и качества вокального интонирования импровизаций, то в этот вечер певцы могли соревноваться с флейтой по чистоте звучания и свободе использования голоса, что невероятно ценно.

Интересным было сочетание эстрадного вокала Евгении Омельченко со звучанием ансамбля народных инструментов «Con Grazia» (аккордеон – М. Борзенко, бас-гитара М. Журавлева, гитара – И. Половинка, скрипка – А. Пискунова,).



Атмосфера креатива в классе, создаваемая педагогом Дрожжиной Н.В. и концертмейстером Воропаевой Е. В., позволяет реализовывать новые оригинальные проекты, к которым, безусловно, можно отнести и симбиоз джазовых композиций с украинской аутентической музыкой обрядового цикла (солисты К. Чижова, А. Яковлев, С. Черноморова, А. Любота).



Отмечу яркое впечатление от выступления Эмиля Магеррамова, взорвавшего зал латино-американской композицией (1 труба – Александр Горобец, 2 труба – Кирилл Малов, альт- саксофон – Игорь Бурула, тенор-саксофон Игорь Купельский, сакс-баритон Сергей Чугай, тромбон – Сергей Цимбал), а так же тронувшую зрителей своей глубокой искренностью в драматической балладе Валерию Петухову; великолепную скетовую технику Алины Гончаренко и харизматичность Карины Чистяковой и Софии Черноморовой; динамичный драйв композиции Анны Гадяцкой и интереснейшую интерпретацию народной песни Ирины Дубенко и качественный джаз ее чудесного коллектива (фортепиано – Д. Кулев, бас-гитара В. Карбовский, ударные – Г. Кошмай, саксофон, флейта – П. Роденко, альт-саксофон – В. Саган). Каждый номер концерта содержал некую изюминку, что было оценено по достоинству всеми слушателями аплодисментами и даже криками «браво».



Корректность динамического баланса живого звучания большого количества участников двухчасового концерта (как вокального, так и инструментального состава), несомненно – заслуга звукорежиссера концерта А. И. Богомолова, который смог весь саунд выстроить с точки зрения академического искусства, что чрезвычайно ценно, потому что качественное слышание определяет качественный звуковой результат впоследствии. Очень хотелось бы отметить работу бас-гитариста Игоря Остапчука и ударника Глеба Кошмая, которые великолепно отработали всю концертную программу! А так же корректное звучание группы саксофонов, труб, тромбона.
Подытоживая все вышесказанное, можно смело утверждать, что большое неравнодушие к тому, что мы делаем, есть залог того, что наши студенты не только правильно обученные, но и согретые нашим вниманием и теплом, станут нашим продолжением и создадут новую музыкальную элиту страны. Этот концерт - яркая исполнительская работа: качественная, профессиональная, корректная, в лучшем смысле слова академическая и, безусловно, передающая всю специфику предмета, который ведет педагог Наталья Дрожжина. Желаю продолжать двигаться в этом направлении, преодолевая все трудности, и готовить такие же яркие содержательные концертные программы на радость и удовольствие профессионалов и любителей джазовой и эстрадной музыки.

Наталья Дрожжина: я очень довольна слаженной работой всей нашей творческой команды. Ребята показали высокий исполнительский уровень. Они с большим энтузиазмом готовились к этому концерту, хотя даже в перерывах между интенсивными репетициями успели принять участие в международном конкурсе «International song forum2016» и занять там весь пьедестал почета в номинации «Джазовый вокал» (Алина Гончаренко – 1 премия, София Черноморова- 2 премия, Евгения Омельченко – 3 премия). Отмечу, что в классе уже более 50 лауреатских побед в международных и национальных конкурсах, многие выпускники успешно работают в Украине и как исполнители, и как преподаватели в системе высшего и среднего музыкального образования, гастролируют за рубежом. Двое из них Светлана Сидорова и Анатолий Костенко удостоены высоким званием Заслуженных артистов Украины. Уверена, что будущее нашей музыкальной культуры в надежных руках, мы готовим достойную профессиональную смену.



Беседовала Юлия Гайворонская

Читайте материал о концерте газете «Время» от 4.05.2016
:http://timeua.info/post/kultura/vesennij-dzhaz-liven-nad-pervoj-stolicej-03718.html

 


11 квітня. Концерт молодих композиторок Євгенії Марчук та Анастасії Комлікової
Музичний дарунок від композиторів Євгенії Марчук і Анастасії Комлікової Харківському університету мистецтв імені Івана Котляревського

         Гожого весняного вечора 11 квітня 2016 року у малому залі Харківського національного університету мистецтв імені І.П. Котляревського відбувся авторський концерт Євгенії Марчук (Черкаси) та Анастасії Комлікової (Київ) – композиторів молодої генерації, членів Національної спілки композиторів України (2011).

Досвід творчого тандема Євгенії Марчук та Анастасії Комлікової, репрезентованого у рамках спільного концерту, вже має свій історичний та географічний літопис. Так, у 2013 та 2015 роках авторські концерти Євгенії та Анастасії відбулися у Черкасах і Києві. Успішно втіливши задум «подвійного» концерту на сценічних майданчиках рідних міст (органний зал Черкаського музичного училища імені С.С. Гулака-Артемовського; зал Національної спілки композиторів України у Києві), дівчата вирішили обраний формат мистецької практики представити і в Харкові.

Анастасія Комлікова та Євгенія Марчук познайомились 2011 року під час вступу до Національної Спілки композиторів України у Києві і з того часу їх творчі шляхи плідно перетинаються.
Євгенія Марчук (нар.1979) – випускниця Харківського національного університету мистецтв імені І.П. Котляревського (2005) по класу композиції Юрія Алжнєва та Віктора Мужчиля. Після закінчення університету мистецтв 8 років працювала керівником музичної частини в Черкаському академічному обласному театрі ляльок, в тому числі як композитор – автор музики до багатьох вистав, що здобули визнання на міжнародному рівні. З 2013 року працює викладачем в Черкаському музичному училищі імені С.С. Гулака-Артемовського. Творить у різних жанрах академічної та популярної музики.



До слова сказати, Євгенія є натхненником та організатором нового міжнародного фестивалю, який невдовзі розпочне свій поступ у Черкасах.  Із-поміж багатьох мистецьких проектів, представлених на конкурс, перемогу здобув саме проект міжнародного фестивалю «Музичні імпрези України», концепція якого обґрунтована і представлена Євгенією Марчук.
Анастасія Комлікова (нар. 1984) є випускницею Інституту мистецтв Київського національного педагогічного університету імені М.П. Драгоманова (2005) та композиторського факультету Національної музичної академії імені П.І. Чайковського (2009), клас професорів Геннадія Ляшенка (композиція) та Левка Колодуба (оркестровка). Мистецькі пошуки композиторки є доволі широкими – вона працює у різних жанрах і стилях, а її твори здобували перемогу на конкурсах різних форматів, в тому числі Національного Євробачення. У творчому доробку Анастасії: двохактний балет «Форвард», камерна експериментальна опера «Самотнiсть?!», концертіно для фортепіано з оркестром, камерна вокальна та інструментальна музика. Особливе місце у творчості Анастасії відведено дитячій музиці. Анастасія є організатором і учасником майстер-класів, реалізує себе і в науковій сфері (нині – аспірантка кафедри теорії музики НМАУ імені П.І. Чайковського).



Твори Євгенії Марчук та Анастасії Комлікової – лауреатів всеукраїнських та міжнародних композиторських конкурсів – входять до репертуару різних творчих колективів і виконуються як в Україні, так і поза її межами (Росія, Польща, Сербія, Словаччина, Франція, США).

У концерті в Харкові наскрізною виявилась і чітко окреслилась тема музичного дарунка. Передусім, сам концерт став дарунком від двох тендітних представниць Національної Спілки композиторів України всім присутнім. Ідея музичного дарунка витала і у виконавському просторі мистецького заходу. Чудові київські музиканти спеціально для концерту подолали сотні кілометрів для того, аби прозвучали сольні, камерно-вокальні та інструментальні твори Анастасії та Євгенії. Гостями Харкова, талановитими виконавцями, того вечора були: Наталія Строчан (фортепіано) – доцент Інституту мистецтв НПУ імені М.П. Драгоманова; Олена Якуніна (фортепіано) – дипломант міжнародних конкурсів, провідний концертмейстер НМАУ імені П.І. Чайковського; Ірина Беспалова-Примак (сопрано) – заслужена  артистка  України, солістка Національної оперети України; Юлія Ковальова (флейта) – солістка оркестру Національної Оперети України; Іван Пташник (фагот) – асистент-стажист НМАУ імені П.І. Чайковського; Катерина Шепелюк (бандура) – лауреат міжнародних конкурсів, студентка НМАУ імені П.І. Чайковського. А подружжя студентів-випускників Аліни та Віктора Харенків виступили на концерті у фортепіанному дуеті як представники ХНУМ імені І.П. Котляревського.



У рамках концерту паралельно відбулась презентація друкованих репертуарних нотних збірок нових творів для малечі Євгенії Марчук та Анастасії Комлікової (2014 – 2016 рр. видання). Можливість отримати ексклюзивні збірочки (твори для фортепіано, бандури, дитячі пісні) також виявилась відповідною провідній на концерті темі музичного дарунка в контексті збагачення репертуару для дитячих музичних шкіл новітніми творами сучасних українських композиторів.

На концерті прозвучало багато прем’єр. Не можна було не відзначити тонке відчуття виконавцями представлених творів (органічність як якість інтерпретації), що втілилось у відповідному виконанні як прояву фахової поваги до творчості Євгенії Марчук і Анастасії Комлікової. Незабутніми за довершеністю втілення композиторського задуму стали номери за участі солюючих партій артистично-вишуканої Ірини Беспалової-Примак (сопрано), віртуозно-легкої Юлії Ковальової (флейта), філігранно-майстерного Івана Пташника (фагот) та натхненної Катерини Шепелюк (бандура) у супроводі досвідчених Наталії Строчан та Олени Якуніної (фортепіано).



На сцені як виконавиця своїх фортепіанних п’єс виступила і Євгенія Марчук, зачарувавши своєю вибагливо-мелодичною, шляхетною «Принцесою троянд» – мініатюри, присвяченої мамі – Інні Євгеніївні Марчук. Продовжуючи тему музичного дарунка не можна не вказати на той факт, що концерт відбувся у день народження Євгенії. Іменинниця у такий спосіб презентувала музичне приношення своїй alma-mater та кафедрі композиції в особі присутніх того вечора на концерті студентів та знаних викладачів-композиторів – Володимира Птушкіна, сприянням і за підтримки якого концерт відбувся у Харкові, а також Віктора Мужчиля, Ігоря Гайденка, Юлії Грицун. Завершальним номером у вигляді прем’єри нового твору Євгенії Марчук «Суперечка» для флейти і фортепіано став музичний дарунок від Юлії Ковальової (флейта) та Олени Якуніної (фортепіано) іменинниці. Квітами, посмішками, заключними аплодисментами і привітаннями увінчався дебют творчого тандема Євгенії Марчук та Анастасії Комлікової у Харкові.

…А незримий лейтмотив концерту, що проявився у різних гранях того вечора, залишив по собі здобутий післясмак – усвідомлення цінності дарувати як збагачення навзаєм, як знака таїни мудрості. Як беззаперечної запоруки розквіту ще нерозкритих потенцій на шляху до нових висот творчих звершень.

Ірина Романюк, музикознавець



10 апреля. Концерт серии «Портреты украинских композиторов». Иван Карабиц

ВСПОМИНАЯ ИВАНА КАРАБИЦА
10 апреля состоялся концерт цикла, задуманного
благотворительным фондом «Харьковские ассамблеи» –
 Портреты украинских композиторов.
Подобный жанр концерта позволяет представить
фигуру «героя» вечера объемно и разносторонне, чему в немалой степени способствуют не только исполняемые произведения, но и фото-, видеоматериалы, жанр свободной  беседы ведущих.  Все это позволяет выйти за рамки традиционной формы концерта и приблизить Творчество к Жизни.

Талантливый человек талантлив во всем. К таким людям можно смело отнести Ивана Карабица, и нам посчастливилось в этом убедиться. 10 апреля, в Харьковском Национальном институте искусств им. И. П. Котляревского состоялась премьера - концерт-портрет выдающегося украинского композитора ХХ века. Но это еще не все… В Харьков приехала жена композитора - доктор искусствоведения, профессор музыкальной академии им. П. И. Чайковского Марьяна Копиця-Карабиц. Поэтому нам повезло вдвойне, ведь помимо музыки удалось услышать подлинные истории из жизни и творчества её супруга. Слушатели смогли еще больше погрузиться в атмосферу вечера и ощутить присутствие композитора благодаря звуку его живого голоса, пусть и зафиксированного на аудио пленке. На фото, видео и аудио материалах из архива семьи Карабицев герой вечера предстал в окружении друзей, коллег, как пианист-импровизатор (редкое видео с юбилейного вечера одного из друзей) и даже как певец, вместо заболевшей солистки исполнивший в сопровождении оркестра свою песню на одном из конкурсов (аудио).



Художник на холсте яркими красками изображает натюрморт: богатый, полный, живой, стремясь передать настоящее и запечатлеть мгновение. И в этом его творчество. Но если художник красками и кистями изображает увиденный натюрморт, то композитор, сочиняя музыку, этот натюрморт создаёт. На концерте прозвучало изобилие разных произведений Ивана Карабица: фортепианная музыка, камерная, хоровая, вокальная, оркестровая. Давайте попробуем пофантазировать и представить, как мог бы выглядеть натюрморт, созданный этим композитором…

В центре сцены ваза - красивая, чистая, белая. А в ней пшеница - сочная, спелая. Черные стены и черный потолок и возле белой вазы – белый платок. Рядом с ним фиалки спят днем, а ночью флиртуют, а лепестки эдельвейса в волшебстве существуют. Ваза не боится черного цвета, ей не страшно пропасть, она сердце черного, она его страсть. Тюльпаны молчат, а цветки рожи с ветром смеются. Ваза полная…теперь все краски сольются…



«Де вітер землю голубить» в исполнении детского хора Con anima (руководитель - Елена Яструб, концертмейстер - Алла Савченко). Где ветер землю голубит, где традиционные рубашки, вышитые красным по белому, где льется украинская песня, где хочется обнимать шелковые степи и целовать любимые леса - там наш родной дом - Украина. Песня напомнила шелест спелой, золотой пшеницы, которая аккуратно колышется в вазе.
Густой, низкий тембр виолончели…Изящная форма и насыщенный цвет инструмента. Подобно темно-красному тюльпану, рядом с золотой пшеницей, прозвучала Виолончельная соната в исполнении Оксаны Подмарёвой (Ольга Сидорова - фортепиано). Мелодия виолончели то взлетала над фортепиано, путешествуя в зале, то тихо, прислушиваясь, приземлялась на сцену. Закрыв глаза, отчетливо слышалось перешептывание леса и ветра, а немного дальше - шелест темно-красного тюльпана.

Вокальные циклы сатирического содержания - редкое явление в украинской музыке ХХ столетия, а в творчестве Ивана Карабица – оставившее след. Цикл «Повести» на слова А. Кулича состоит из пяти песен. Каждая из них рассказывает свою небольшую бытовую историю, то о честном человеке, который был фальшивомонетчиком, то о женщине, что трижды выходила замуж… Есть такие фиалки, которые цветут только в темное время суток, они радуют своим чудным ароматом лишь ночь, а человек не может им насладиться. Некая ирония, ведь эти фиалки днем спят. В вазе появились пять фиалок, такого же красивого сиреневого цвета, как и платье исполнительницы цикла «Повести» Светланы Мельник (меццо-сопрано, партия фортепиано – Игорь Седюк).



С родной землей ассоциируется не только пшеница. Разноцветная рожа, что украшала собой белые, расписанные узорами, сельские дома, ассоциируется у меня со следующим хоровым произведением, премьера которого состоялась в тот вечер в Харькове. Отдельные номера из концерта «Сад божественных песен» для хора, оркестра и солистов прозвучали в исполнении хора студентов нашего университета, руководители: заслуженный деятель Украины Сергей Прокопов, хормейстер Анна Савельева, концертмейстер Елена Рукина; дирижер - ассистент-стажер Оксана Кварта. Солисты: Эдуард Подлесный (тенор) и Николай Кузьменко (флейта). Душевное и свободное соло тенора, сосредоточенный и драматичный хор… А над сценой, где рассказывает свою историю хор, звучит игриво, радостно, словно пение соловья, флейта. Необычные гармонии авангарда… переклички партий… сложные вокальные партии.



И в завершении концерта прозвучала еще одна премьера «Пять музыкальных моментов» – Концерт для фортепиано с оркестром №3 (студенческий оркестр университета; дирижер - Ирина Вербицкая, солист - Олег Копелюк). Пальцы пианиста то носились по клавиатуре, то медленно гладили, то безжалостно сносили все на своем пути. Складывалось впечатление, что с каждой минутой звуки уносят слушателей все выше и выше, в пространство космоса. Среди других произведений вечера эта музыка была иной. Нет нужды с чем-то ее сравнивать или пытаться логически объяснить. Её нужно только слушать и открывать свое, сокровенное…Оркестр мужественно поддерживал Олега Копелюка, вступая в диалог духовой группой инструментов и накаляя обстановку жужжанием низких струнных. Что же до нашего воображаемого натюрморта, то, думается, этот фортепианный концерт подобен эдельвейсу, который обитая в горах, недоступен для обычных людей, будучи на грани между бескрайнем небом - жизнью и бесконечной пропастью - смертью. Этот цветок знает мелодии космоса и, мне кажется, часто общается с ними по ночам.

Итак, у нас в белой вазе - доспевает золотая пшеница, цветет темно-красный тюльпан и яркая рожа, сиреневые фиалки делятся тайнами со снежно-белым эдельвейсом. Давайте поищем художника, который сможет этот натюрморт нарисовать!

Анастасия Микрюкова



Концерт памяти Ахиллеса Алфераки в рамках недели греческой культуры.
Ирина Денисенко - фортепиано, Наталья Поликарпова - вокал, Юлия Николаевская - ведущая

Очарованные   невозможностями…

Звезды - осколки:
из них я выстроил мир
(Ф. Ницше)

Проведение концертов французской музыки под эгидой фестиваля «Французская весна» стало уже традицией Харьковского университета искусств. В последнее время этот проект получил название «Отражение времени». В его рамках уже звучали произведения таких великих французских композиторов, как Эрика Сати, Габриэля Форе. На этот раз выбор пал на выдающуюся личность XX века – Оливье Мессиана. Музыка этого гениального композитора  очень самобытна, глубока по содержанию и  поэтична. Она своими, специфическими методами увлекает слушателя в какой-то особый духовный мир, в котором нет места мелочности, суетности. Она по-своему требовательна, так как слушатель должен внимательно воспринимать звучащее произведение, чтобы приблизиться к его сути. Как замечал Родион Щедрин, еще одна великая фигура XX века, творчество Мессиана с первого раза не открывается даже самому благожелательному слушателю. В скрытую магию его музыки вникаешь все больше после нового и нового соприкосновения с ней.

В декабре 2015 года в стенах Университета искусств слушателям уже предоставлялась уникальная возможность соприкоснуться с одним из самых известных произведений композитора – фортепианным циклом «Двадцать взглядов на младенца Иисуса». В феврале 2016 года в рамках проекта «Новые пространства звука» Оксана Рынденко (Киев) представила на суд слушателей несколько прелюдий Мессиана. Нынешний концерт, проведенный 9 апреля в большом зале ХНУИ, продолжил этот путь познания музыки композитора. На этот раз концерт сам был выстроен как четыре взгляда на творчество великого француза, корреспондируя к упоминаемому циклу. Естественно, это был лишь краткий экскурс, ведь вместить в один концерт всю жанровую палитру произведений маэстро просто невозможно. С другой стороны, его авторский стиль настолько самобытен, что программа действительно оказалась подчиненной целостной идее.



Открывали концерт две прелюдии Мессиана из цикла «Прелюдии» (1929 г.): №1 («Голубка») и №7 («Спокойная жалоба»), образец раннего творчества композитора. В концепции концерта они представляли взгляд на жанр. В названиях прелюдий чувствуется влияние Клода Дебюсси, чего не отрицал и сам Мессиан. Наряду с этим в них намечаются ключевые элементы особого музыкального языка композитора, в частности, использование ладов ограниченной транспозиции. Исполнила прелюдии кандидат искусствоведения, доцент кафедры общего и специализированного фортепиано, Ирина Денисенко. Она стала, наряду с ведущей концерта, музыковедом Юлией Николаевской, ключевой фигурой вечера, участвуя в исполнении почти всех произведений. Ее игра отличалась блестящей техникой, тонким чутьем нюансов и неизменно вызывала бурные рукоплескания после сольных номеров.

Экзотическим «взглядом», объединившим любовь и смерть, стал цикл «Ярави». Композитор мыслил этот цикл как часть «триптиха о Тристане», вдохновленным вагнеровским «Тристаном и Изольдой», «Пеллеасом и Мелизандой» Дебюсси и «Фантастической симфонией» Берлиоза. В этом триптихе композитор воспевает красоту вечной любви, любви «фатальной, непреодолимой, всепокоряющей, уничтожающей все вокруг себя». «Ярави» пронизан образами перуанского фольклора, его религиозными символами и мифологическими мотивами. Само слово Harawi, взятое из языка кечуа, означает любовную песнь, заканчивающуюся лишь со смертью  влюбленных. Наталия Поликарпова (сопрано) и Ирина Денисенко исполнили ряд номеров из цикла: «Город, что спал, ты», «Зеленая голубка», «Дунду чиль», «Любовь Пируччи» и «Прощай». Они, несомненно, покорили каждого сидящего в зале невероятной экспрессией и увлекли в некое захватывающее, открывшее новые ощущения, путешествие в мир этой самобытной музыки.

«Взглядом в бездну», стала третья часть знаменитого квартета «На конец времени» – «Бездна птиц» в исполнении Руслана Каширцева (кларнет). В этой пьесе Мессиан подает свою трактовку времени, как бездны печалей и горестей, соединяя ее с экстатическими юбиляциями у солиста, передающими пение птиц, что рождает потрясающий по выразительности эффект.
Завершающим стал взгляд «глаза в глаза». Ирина Денисенко сыграла четыре номера из цикла «20 взглядов на младенца Иисуса»: №11 («Первое причастие Девы»), №13 («Рождество»), №15 («Поцелуй Младенца-Иисуса») и №16 («Взгляд пророков, пастухов и волхвов»). Мастерское исполнение солистки стало достойным окончанием вечера, подтвердив ее право и впредь браться за столь ответственные музыкальные темы.



«…Подсознательно покорится необычному очарованию невозможностей». Так Оливье Мессиан, осознавая неординарность своих музыкальных идей, предсказывал восприятие своей музыки слушателем будущего. Действительно, узнавать на слух лады ограниченной транспозиции или необратимые ритмы мало кто в состоянии. Но в том и прелесть музыки, что техника – лишь способ выражения мыслей, идей, мировосприятия, души автора. Мессиан был смелым новатором. Если его замысел не мог реализоваться в существующих правилах, он создавал свои, будучи при этом глубоко логичным и делая все обоснованно. Благодаря этому он стал вдохновителем множества композиторов XX века, дав импульс к большинству новых движений и поисков.

Ангелина Мамона

28 марта, 1 апреля. Концерты студенческого симфонического оркестра. Дирижер Ю. Насушкин (Испания)
ПРАЗДНИК СИМФОНИЧЕСКОЙ МУЗЫКИ

Последняя неделя марта стала своеобразным праздником симфонической музыки в Университете искусств. Слушатели могли насладиться ею в понедельник (28 марта) и в пятницу (1 апреля). Нелишним будет упомянуть, что зал был полон в оба вечера; каждое произведение сопровождалось бурными и весьма продолжительными овациями, свидетельствовавшими о  необходимом контакте между публикой и исполнителями, без которого концерт не может считаться успешным. Эту взаимосвязь удалось создать Юрию Насушкину, художественному руководителю и дирижеру студенческого симфонического оркестра ХНУИ
.
Программы двух концертов и сходны, и непохожи одновременно. Оба –открывались произведениями венских классиков. Первый вечер – Первой симфонией Л. ван Бетховена, второй – Симфонией-кончертанте В. А. Моцарта для квартета духовых и оркестра в исполнении студенческого симфонического оркестра и лауреатов Международных конкурсов: Ульяны Макеевой (гобой), Сергея Третьякова (кларнет), Александра Пастухова (фагот) и Игоря Соловья (валторна).

Прозвучали концерты для фортепиано с оркестром С. С. Прокофьева. 28 марта мы услышали незабываемую музыку Второго фортепианного  концерта с блестящим солистом, лауреатом международных конкурсов, Максимом Шадько. 1 апреля партию фортепиано в Третьем концерте Прокофьева (первая часть) с «огненной» энергией исполнил также лауреат Международных конкурсов Алексей Волик. Кульминацией же второго вечера стала Пятая симфония П. И. Чайковского.


Очевидно, что в программе преобладали произведения «весомые» не только по своей идейной нагрузке, драматической концепции, но и преисполненные эмоционального посыла, который лишь усиливался благодаря «живому» звучанию симфонического оркестра. Неудивительно, что публика, получая столь мощный заряд энергии, откликалась, не просто аплодируя «из вежливости», но резонируя с исполнителями в едином душевном порыве. Своеобразным подарком  стала редко исполняемая в концертных программах Первая симфония Бетховена. Самая «классическая» из всех девяти, она уже демонстрирует характерный стиль композитора, проявляющийся в особенностях динамики и оркестровки. Напомним, что при первом исполнении начальные такты симфонии вызвали возмущение публики: композитор заменил традиционный показ тональности  последовательностью аккордов в различных тональностях, что в те времена было достаточно смелым решением и проявлением бетховенской «непокорной» натуры, хоть и в ироническом плане. Студенческому оркестру ХНУИ в целом удалось передать легкость и живость, присущие данному произведению. Однако, классика – «крепкий орешек» и музыкантам еще есть над чем поработать: и над слаженностью ансамблевой игры и над чистотой интонации.



Второй и Третий концерты для фортепиано с оркестром С. Прокофьева написаны в ранний период его творчества (соответственно в 1912 и 1917-21 годах). В них чувствуется тяга композитора к новаторству, его бескомпромиссность, смелость  выражения. Второй концерт содержит в себе и монументальность образов, и проникновенную лирику, его музыка впечатляет глубиной, всеобъемлемостью содержания. Равнодушным при его исполнении не смог остаться никто, в первую очередь это касается исполнителей: студенческого оркестра и самого солиста, Максима Шадько. Третий концерт объединяет со Вторым ясно прослушивающееся национальное начало. В нем черты народной песенности с ее широтой дыхания сочетаются с характерной прокофьевской динамичностью, четкостью. Первая часть, которую исполнил вместе с оркестром Алексей Волик, исполнена жизнелюбия, оптимизма. Исполнители смогли донести до слушателей искрометность и бодрость, присущие этой музыке, хотя подчас замечались и трудности в достижении ансамбля.



Самое яркое впечатление от Симфонии-кончертанте В. А. Моцарта (открывавшей концерт 1 апреля) оказалось связанным с четырьмя солистами. Их блистательная виртуозность поразила всех присутствующих в зале, а музыка гениального Моцарта – ненавязчиво, с присущим ей изяществом внесла стройность и порядок в слушательские умы.



Однако уйти в тот первоапрельский вечер со спокойствием и безмятежностью на сердце никому не удалось. После умиротворяющего Моцарта, феерического Прокофьева вниманием слушателей всецело завладел Петр Ильич Чайковский с его Пятой симфонией. Музыка этого композитора всегда исполнена эмоциональности, чувственности, не лишаясь при том глубины, драматизма. Пятая симфония, с ее идеей преодоления силы рока, прозвучала очень правдиво, «на нерве». У опытнейшего дирижера Юрия Насушкина получилось удержать оркестр в нужном тонусе до самого конца произведения, да и концерта в целом, в чем мы все ему благодарны.

Два вечера симфонической музыки действительно стали показателем достаточно высокого уровня студенческого симфонического оркестра ХНУИ, результатом огромной проделанной работы. Можно поздравить коллектив с таким успехом и пожелать расти и развиваться далее.

Ангелина Мамона, студентка 2 курса

 

МУЗЫКА КАК СПОСОБ И СМЫСЛ СУЩЕСТВОВАНИЯ
Интервью с Юрием Насушкиным

Как часто в своей дирижерской практике Вы обращаетесь к произведениям Бетховена и, в частности, к его Первой симфонии?
Ю. Н.: Множество раз. Просто без этого нет школы. Есть произведения, без которых нельзя развиться музыканту – ни оркестранту, ни дирижеру. Если ты не играешь Бетховена, у тебя возникает пробел в образовании, и если играть его мало – тоже неправильно.
Вы назвали эти произведения «школой». Но какие трудности возникают при исполнении Бетховена?
Ю. Н.: Суть самого простого музыковедческого анализа бетховенских сочинений (то, что и «птички поют на деревьях») сводится к тому, что в классической форме скрыто романтическое содержание. Но это немного упрощенно. Когда мне говорят, что Бетховен еще в своих первых сочинениях принадлежит классицизму, а с какого-то определенного этапа он становиться романтиком – я с этим абсолютно не согласен. Он становится романтиком с первой секунды своего появления на свет, он уже романтик по своей философии, по своему отношению к миру, по отношениям «я и космос». Аналогичное происходит и с Моцартом и Гайдном, и вообще я бы не относил такого рода величины как Бетховен к определенному стилю музыки. Мне кажется, что мы этим их отчасти приуменьшаем. Они находятся «над» всем и вмещают в себя гораздо больше. Понимаете, эта стилевая сетка, схема не для них, скорее это для нас с вами, для ориентировки, для того, чтобы студенты знали, что, во всяком случае, Шуман жил не во время Палестины. Вот это единственное, чтобы как-то спокойнее себя чувствовал студент. А в принципе Бетховен – это Бетховен, Шостакович – это Шостакович, Веласкес – это Веласкес, Пушкин – это Пушкин, они не принадлежат ни к какому стилю, можно проанализировать конечно… Вот в этом то и трудность – найти в этой партитуре то, что там написано. Я бы это сформулировал словами Баха. Есть замечательная книга о Бахе, первая из написанных о нем – Николауса Форкеля, в 1802 году, когда более известными были сыновья Баха, нежели он сам. Как-то Баха спросили: «Как вам удается так потрясающе играть на органе?» Он ответил: «Все очень просто, нужно своевременно брать нужные ноты». И он прав, он поклонник ремесла, и я могу сказать, что для меня это как молитва; для меня настоящее ремесло – это искусство. Вот в этом трудность. Ну что мы будем анализировать: сфорцандо или субито, нюансы или определенные звучания?.. Я не знаю, вы сами послушаете. Вот мы сегодня слушали Симфонию-кончертанте Моцарта, которую будем играть через три дня. Ну, замечательно играют солисты! Замечательно и совершенно иначе, чем те, которых я сейчас слушаю (говорит, показывая на планшет – А. К.). Эти играют мощно, хотя я даже не знаю кто они… А ваши ребята – вместе с Александром Пастуховым, Ульяной Макеевой, все ваши солисты, педагоги, концертмейстеры, все, кто со студенческим оркестром будет играть послезавтра – они играют очень тонко, и это имеет право на существование, как одно, так и другое. Ваши солисты мне очень нравятся, я бы подписался под каждой их нотой, в Моцарте во всяком случае.
Как мне сказали, Симфония-кончертанте Моцарта для квартета духовых не исполнялась в Харькове минимум 6 лет, а то и больше. А в вузе – и того дольше, но произведение потрясающее и, еще раз повторяю, очень хорошие солисты.
А чья была идея взять симфонию Бетховена?
Ю. Н.: Моя. Хотя студенты-оркестранты достигли того уровня, когда сами предлагают произведения, по их мнению необходимые для их информирования. После симфонии Брамса, сыгранной здесь и в Германии, они почувствовали, что перескочили через ряд симфоний, которых им не хватает. Причем, сами ребята сказали. А это, согласитесь, уже другой уровень оркестра, другой уровень мышления. И я горжусь тем, что они стали участвовать в обсуждении, предлагать что-то из симфоний: 104 симфонию Гайдна, 1 симфонию Бетховена, одну из симфоний Мендельсона. Должна быть продуманность и последовательность, чтобы не прыгать. Нельзя же сразу дать скрипачу концерт Паганини, не пройдя целый этап подготовки! То же – и в оркестре. К сожалению не всегда это делается, и людей бросают в Первую симфонию Малера или в «Реформаторскую» симфонию Мендельсона… Но для этого нужно очень много пройти, чтобы выйти на эту философию. А ребята находятся в процессе формирования. Значит, дирижеру нужно думать как педагогу, что ты им даешь и почему. Вот с Пятой Чайковского было обоюдно: они предложили и я тут же откликнулся, ну как можно ее не дать?..
В последний раз вы работали с нашим оркестром в конце осени – начале декабря. Как Вы считаете, уровень коллектива как-то вырос за это время?
Ю. Н.: Безусловно. В чем была проблема? Много лет существовал оркестр, в котором традиции, возникая, носили спонтанный характер. А сейчас, мне кажется, те, кто приходят, уже приходят туда, где есть какие-то пусть небольшие, но традиции. Вы посмотрите на эту молодежь – это совершенно другой состав, за исключением может быть десятерых человек, которые ездили в Германию. «Ветераны», которые уже полтора или два года играют, и ребята новые, они восприняли эту философию. Есть духовики, которые просто «дерутся» за то, чтобы в программе участвовать и уже думают о следующей программе. Наверное, отвечая на Ваш вопрос, это и есть показатель изменений уровня.
Сейчас у нас образовался новый Молодежный оркестр, и многие студенты играют одновременно в нескольких коллективах – в студенческом и в Молодежном. В каждом – свой руководитель со своими требованиями, свои способы преподавания. По Вашему мнению, возросшая нагрузка и работа под разными началами влияет положительно на формирование музыканта или же имеет какие-то отрицательные стороны?
Ю. Н.: Отвечу коротко. Работа под разными началами очень положительна. Свое мнение о нынешнем положении дел и работе Молодежного оркестра я сохраню при себе. Потому что мы занимаемся не литературным трудом и даже не эпистолярным наследием, и даже не диалогами, а мы занимаемся музыкой и в звуках доказываем, имело это смысл или нет. Я сторонник объединения, а не разъединения усилий, я сторонник сотрудничества, а не деления ребенка пополам –  с 15.00 в одном, а с 15.30 в другом. Как вы думаете, увеличивается нагрузка или нет? Вам не кажется, что его убивают в этот момент? Значит, должна быть координация этих работ под разным началом. Тогда она будет положительна. Да, они должны знать трактовку этого дирижера, другого, непременно чем больше, тем лучше, но всегда координируя усилия и сотрудничая.
Вы совмещаете работу в Харькове и в Испании. Какие задачи, какие цели Вы перед собой ставите?
Одинаковые, что в Испании, что в Португалии, Южной Корее или Чехии. Везде одну цель я ставлю – формировать личность через музыку. Я не учу играть на скрипке, хотя у меня учеников, скрипачей оркестрантов сотня, наверное, по всему миру. В 62 года мне неинтересно учить играть на скрипке, просто менять смычок, артикуляцию, постановку, мне интереснее и важнее сформировать человека через инструмент. Этим инструментом может быть рояль, оркестр, скрипка, виолончель, камерный оркестр квартет – это не имеет значения, это средство. А цель – постараться сформировать человека, потому что мы живем в совершенно сумасшедшем, абсолютно патологическом мире, где все ценности к большому сожалению перевернуты. И нужно сейчас работать над тем, чтобы дети не были голодными, чтобы беженцы не умирали… Понимаете? Мы об этом забываем… И чтобы не было войны на моей родной земле. И рядом с Испанией, и рядом с Украиной идет война, там умирают тысячи людей – и в Турции, и в Греции, в Донецке, неважно где. Извините, что я зажигаюсь, но это живые люди! Сирийцы они или украинцы, мальчики или девочки, дети или старики… Они умирают. Можно жить спокойно и думать, как ты хорошо играешь на скрипке? Нет! Нельзя! Запрещено! В этой профессии запрещено, если думают, что 60 грн. за один вызов, 60 за другой – это не разговор! У меня камерный и два симфонических оркестра в Испании, но мы сейчас сотрудничаем только с благотворительными фондами. Все что зарабатываем (мы ничего не получаем), мы куда-то посылаем, или продуктами, или в фонд детей-Даунов, либо в фонд борьбы с онкологических заболеваний, мы играем по госпиталям. Сейчас, я считаю, без этого просто нельзя, или все, конец! Иначе мы не увидим, как конец придет незаметно. Для меня это очень важно, нельзя жить и работать иначе.
Вы одновременно и исполнитель-скрипач и дирижер оркестра. Какая из этих профессий для Вас более важна? Какая перевешивает на чаше весов?
Ю. Н.: Пока я не занялся серьезно дирижированием, я постепенно к этому приходил, потому что настоящее дирижирование – это профессия второй половины жизни. Вопрос мануальной техники безусловно важен, им нужно владеть обязательно, но он вторичен. Важно то, что ты передаешь – оно всегда стоит за жестом. О чем это говорит? Что я очень активно учился дирижированию и закончил вначале консерваторию, затем аспирантуру, причем аспирантуру я заканчивал в Москве, находясь уже в Испании. И, отвечая на ваш вопрос, хочу сказать, что, когда я начал серьезно заниматься дирижированием, с этой минуты я иначе начал воспринимать игру на скрипке, иначе к ней относиться. Одно обогатило другое очень сильно. Не играя на струнном инструменте, встать за пульт струнного или симфонического оркестра – я не уверен, что это правильно, нужно обязательно владеть инструментом, потому что у струнников особое отношение и к звуку, и к штрихам, и к артикуляции, ко многому. Мне кажется, мы учимся у трубачей, трубачи учатся у нас.
Кстати, достаточно трудные для исполнения и Пятая симфония Чайковского, и концерты Прокофьева. Как духовая группа справляется с ними?
Ю. Н.: Ох, они такие молодцы. Вы знаете, я не ожидал. Раньше это было гораздо хуже, они очень выросли. Да, еще есть некоторые слабые места, но они делают максимум. Самое главное, что с их стороны чувствуется отдача, горение творческое. Без этого ничего никакой дирижер не может сделать. Видно всегда, когда музыканты отрабатывают по контракту, а когда отдаются творчеству по-настоящему. Мне показалось, что вчера – присутствовало второе.
Второй концерт Прокофьева написан в 1913 году, в преддверии Первой мировой войны, революции… Прокофьев, наверное предчувствовал все это, как все великие люди. Какой Вы видите главную тему этого сочинения? Мне кажется, Вы подчеркиваете драматическое начало, потому что в третьей части мы услышали просто катастрофу вселенского масштаба.
Ю. Н.: Вы ответили за меня. Удивительно, но мы полностью разошлись во мнениях с солистом! Вернее не разошлись, а дискутировали: он видит в этой музыке одно, а я – другое. Но играем мы об одном и том же! Эта музыка – она нас и победила, и примирила. Максим (Максим Шадько, солист – А. К.) искал мягкость, и говорил, что никакой катастрофы там нет, а я говорю: «Ты посмотри, что творится вообще». В результате, музыка сама за себя сказала, не потому что я с ним спорю, или он со мной, дело же не в этом! Прозвучало именно то, что есть в музыке. Вы подумайте, такой молодой человек, Прокофьев, 1912-й год. Потом он это в 1923 году переделал, но написано это в 1912-м. Дело даже не в том, что он предчувствовал Первую мировую войну, появление танков, газов, что мир расколется. Я думаю, что такого уровня люди как Прокофьев, они являются в какой-то степени медиумами между высшей силой и нами, простыми смертными. Бог говорит: «Вот сейчас через Бетховена и через Прокофьева даю вам вот это, или через Шекспира, или через Мурильо. Я вам говорю вот это, я сам с вами не могу общаться, потому что мой статус достаточно высок, а вы прислушайтесь, что там сказал Сервантес в «Дон Кихоте», и, может, вы меня поймете».
Я очень хотел бы подчеркнуть одну вещь – мы занимаемся музыкой, не литературой, не поэзией, не прозой, не кинематографией, не скульптурой. Мы – отдельный вид искусства. Вы услышали в этой музыке то, что можно передать только музыкальными средствами. Когда мы начнем это объяснять – музыка заканчивается. Как у Шопенгауэра, музыка считается наиболее полным выражением того, что находится вокруг нас, то есть самой жизни. Почему? Потому что настолько многозначна, и настолько неконкретна может быть только музыка. В концерте Прокофьева такая русскость, такое славянство, там такой Чехов, и в то же время такая катастрофа, от которой можно просто сойти с ума. И сарказм одновременно. Такое ощущение, что он берет какую-то лирику, и потом ломает ее и говорит: «Ребята, это далеко не так». Вдруг появляется какая-то гениальной красоты тема, и он ее рубит нарочито, страшно совершенно. Но, в то же время, мы уходим я с надеждой, с ощущением прикосновения к прекрасному. А прекрасное – оно не обязательно красивое: и Роден прекрасный, и Модильяни тоже прекрасный, потому что прекрасное – это категория, которая вмещает в себя гораздо больше, чем просто красота, чем просто симпатичность, что гораздо проще. Я не знаю другого такого произведения у Прокофьева, которое достигло бы таких высот, как Второй концерт. Вот слушаешь Третий – уже совершенно другой разговор, абсолютно, в какой-то степени даже проще, какая-то одна сторона жизни. А здесь он просто к Баху приблизился: и Dies irae, судный день, и русскость, славянство – все здесь в этом концерте. Я недооценил его, когда только сказали, что его нужно играть, а потом начали работать и просто погружаешься. Это остается на всю жизнь, наверное.
Аплодисменты вчера не утихали на протяжении пятнадцати минут. Как вы относитесь к харьковской публике, есть ли еще где-то публика, которая так тепло Вас принимает?
Ю. Н.: Очень мало. К нам хорошо относятся, когда мы играем, так как мы искренни. Но у вас специфическая публика, у вас замечательная публика, у вас остров. Благодаря тому, что вы здесь, такие люди, я не преувеличиваю, остров – где еще ценности не забыты, потому и публика такая. Вы же видели… Пойдите в другие залы. Вашей публикой можно гордиться, и для нее очень хочется хорошо играть. Иногда ты отдаешься, а ответа нет. И это трудно. Здесь, мне кажется, отдача компенсируется особым отношением слушателей, которые, я должен подчеркнуть, воспитаны. Я всегда чувствую, когда публике не нравится и вашей в том числе. Но на концерте случайных людей было очень мало, большинство было тех, которые музыку слушают в своей жизни практически 24 часа в сутки, и сыграть для такой публики не так просто. Но даже когда им не нравится, они все равно настолько культурны, что умеют быть благодарными тому человеку, который «снимает» с себя кожу на сцене и, наверное, в этом особенность вашей публики. Это культура, настоящая культура, когда ты умеешь быть благодарным тому, кто перед тобой духовно исповедуется.
Вы настолько эмоциональны, что, кажется, что исполняете музыку всем своим телом. Откуда Вы черпаете свои силы?
Ю. Н.: Сегодня в 9 утра мы уже начали репетицию, которая продлилась до 15.00, т.е. была шестичасовая репетиция. Ребята меня спросили: «Когда Вы отдыхаете?» Я ответил, что отдыхаю, когда мы вместе с вами играем. Когда Моцарта вместе играем, тогда и отдыхаю. Музыка – это способ существования, а не способ заработка.
Смею предположить, что как дирижер – Вы не тиран и не деспот. Как бы Вы охарактеризовали Ваш способ общения с оркестром? Как выстраиваете взаимоотношения со студентами?
Ю. Н.: Я очень жалею, что не всегда мне удается быть более строгим. Мне кажется, что я постарался сделать то, чему меня учил мой преподаватель (вы его прекрасно знаете, потому что он здесь пару раз был – Сергей Иванович Скрипка, мой профессор по дирижированию в Академии Гнесина. Он мне сказал: «Очень важен, конечно, и жест, и другие нюансы, но человеческие отношения – важнее». В профессиональном оркестре я не уверен насколько это правомочно, поскольку там ходят умудренные опытом люди, с семьями, с заботами, с детьми, то есть ты за пять дней должен сделать музыку, ты можешь быть тираном… Кроме того, они ничего не скажут, потому что они с 10 до 14.00 принадлежат тебе по контракту. Но если человеческих отношений нет с детьми, нет с юношами, девушками, с молодыми людьми – я не думаю, что что-то получится. Моя специальность, так получилось, с 1996 года – Молодежные оркестры. Везде, где бы я ни был, – в Испании, Португалии, в Южной Корее, Венесуэле, Италии, в Праге, Украине – везде я работаю с молодежью. Без человеческих отношений не получается. Они это чувствуют, их обмануть нельзя. Ты можешь быть с ними тираном, но если они видят за этим тиранством что-то настоящее – они тебе это простят. А ты можешь вести себя с ними просто замечательно, быть с ними в прекрасных отношениях, но если за этим ничего нет, они понимают, что это ложь. Детей обмануть нельзя. Если они видят твою отдачу, они еще не настолько испорчены, чтобы не ответить. Обязательно откликнуться. Но для этого нужно теоретически много знать, ничего не показывая, что ты об этом знаешь! А основа – это человеческие отношения, безусловно. Хотя я уверен, что какой-нибудь другой дирижер, у которого другая философия, достиг бы того же другими средствами. Почему бы нет?..
Как художественный руководитель оркестра, Вы отвечаете за этот коллектив. Трудности какого рода сопровождают Вашу творческую работу?
Ю. Н.: Трудности, безусловно, возникают, что абсолютно нормально. Оркестр – это организм, ВУЗ – это организм, организм живет в определенной среде, эта среда называется Украина, это система музыкального образования Украины, либо Испании, где бы мы не находились. И мы – внутри оркестра, а значит и внутри вуза, внутри города, внутри страны… Этакий микрокосм, который испытывает те же трудности, что и макрокосмос: человеческие, материальные, экономические… Нет денег, нет пультов, нет папок, нет нот, нет хороших редакций… Но есть энтузиазм, есть фанатики, есть лентяи, есть авторские права… Хочешь играть – не разрешают. Так что, все что нужно – все у нас есть.
Но главное, что у нас сложилась команда. На расстоянии с Ириной Владимировной Вербицкой нужно быть всегда в контакте, если что-то случается, нужно принимать решение. С деканом Мариной Владимировной Бевз мы в потрясающих отношениях: она с полуслова все понимает и сразу помогает ребятам, где может. И прежде всего, безусловно с Татьяной Борисовной Веркиной, потому что с этого все началось два с половиной года тому назад. Для того, чтобы быть в Харькове – мне пришлось переделать все свои документы. Я приезжал, будучи гражданином Испании, я не был резидентом Украины. Я к маме своей (пока она была жива, а затем на ее могилу) чтобы приехать визу брал, или чтобы к себе домой на Крещатик приехать. Вы знаете, как это больно? Я должен был маму похоронить, и мне нужно было брать визу. Но благодаря этому оркестру я сделал все возможное и добился «посвідки на постійне проживання». То есть я имею право быть и работать в своей родной стране. Мне пришлось приложить к этому немало усилий, но я счастлив, что я это сделал. Какая-то часть трудностей, таким образом, снята. Ну и расстояние конечно внушительное – 4000 километров. Мне удается максимум 4-4,5 раза приезжать, но так работают очень многие оркестры: есть ассистенты, есть педагоги, которые работают со студентами. В данном случае есть Ирина Владимировна Вербицкая, которая делает большую работу и мы выучиваем программы. Когда студенческий оркестр ХНУИ гастролировал в Германии, мне удалось в Нюрнберге вырваться с работы, а уже в Берлине дирижировала она (И. В. Вербицкая – А. К.) ту программу, которую мы делали вместе.
Оркестр – это цельный организм, одна семья. Я бы также отметил всевозможную работу преподавателей, таких как Ольга Сидоренко, Виталий Китайгора и многих других. Потому что без их преподавательского вклада такие программы за три дня не делаются. Если бы мы начали с нуля, то ничего бы не было. Еще раз хочу повторить: оркестр – это организм. Я бы хотел, чтобы к оркестру в этом вузе относились с уважением. Для ребят, для их престижа, реноме – это очень важно. Мы уже играем с солистами-студентами, и приглашенными со всей Украины. Это другой шаг, это другого уровня солисты, которые играют с нами так, как они играют с профессиональным коллективом. Мне кажется, что с педагогической точки зрения, для оркестра это большой рост, когда мы приглашаем концертирующих музыкантов, которые с нами сотрудничают. Будем надеется, что и в дальнейшем все будет развиваться.

Беседовала Анна Калинина, студентка 4 курса

Повернутися