Архів подій. Жовтень 2011

"Душа острову Інішмаан"

Вистава Учбового театру ХНУМ ім. І. Котляревського «Каліка з острову Інішмаан» за однойменною п’єсою Мартіна МакДонаха (режисер заслужений діяч мистецтв України Степан Пасічник) стала одним з лауреатів конкурсної програми цьогорічного фестивалю «Курбалесія».

Степан Пасічник вже багато років викладає акторську майстерність і переконаний, що перш за все, студенти мають працювати з висококласними текстами. Твори ж культового сучасного драматурга Мартіна МакДонаха до них, безперечно, належать. У п’єсі «Каліка з острову Інішмаан» автор створив світ дивакуватих і зворушливих мешканців ірландської глибинки. Одного дня на сусідній острів у пошуках акторів для нового фільму приїжджає кінознімальна група з Голівуду, що зароджує в інішмаанцях передчуття змін, химерні надії та авантюрні мрії. Проте шанс здійснити їх випадає лише каліці Біллі.

Попри конкретизацію місця дії та використання ірландського колориту, драматург виходить на наднаціональний рівень проблематики. В той самий час С. Пасічник підносить цю історію до рівня метафізичної притчі. У виставі Інішмаан та його мешканці ніби перетворюється на одну живу істоту, душею якої є каліка Біллі. З від’їздом хлопця усе ніби завмирає, перестає жити, адже фактично острів полишає його сутність. Навіть час втрачає свій сенс – стрілки на годинниках, що тримають тітоньки Біллі, рухаються неприродно швидко. Звістка про ймовірну смерть каліки викликає в героїв апокаліптичне передчуття біди – і біди значно більшої за втрату односельця. Та на щастя, цього разу душа, що помандрувала, віднайшла у собі сили повернутися…
Дія вистави «Каліка з острову Інішмаан» ніби розгортається у декількох вимірах. Паралельно зі створенням метафізичної історії за М. МакДонахом, режисер також висвітлив деякі проблеми, що є гостроактуальними для нашого суспільства. Серед них – проблема національної самоідентифікації. «Може, Ірландія не така вже й діра..?» – риторичне питання, що рефреном повторюється різними персонажами впродовж усієї дії і кожен раз яскраво акцентується. Це ніби натяк нам, українцям, на те, що досить плекати свій одвічний комплекс меншовартості. Вистава просякнута співчуттям і водночас повагою до людини, що попри самотність у жорстокому світі, не втрачає віри у свою мрію.

Незважаючи на те, що в «Каліці з острову Інішмаан» не усі акторські роботи рівноцінні, вистава вирізняється злагодженим виконавським ансамблем. Студент Микола Латун наділив головного героя добротою, християнським всепрощенням і водночас внутрішньою силою. На противагу йому Бартлі у виконанні Гліба Савінова – вередливий, але навіть в цьому дуже чарівливий підліток. Простими, але нескінченно мудрими є тітоньки головного героя Кейт і Ейлін у виконанні Ганни Остапенко та Лілії Лебедєвої. Парадоксальним чином вибудувані стосунки між Джонні Патінмайком (нещодавній випускник кафедри майстерності актора та режисури театру анімації, актор Вадим Доценко) та його старенькою мамою (Юлія Моісеенко). Попри брутальний стиль спілкування героїв, акторам вдалося передати ніжність і глибинний зв'язок між матір’ю і сином.
Вистави Степана Пасічника завжди вирізняються стильною і концептуальною сценографією. Простір «Каліки з острову Інішмаан» оздоблено виключно мішковиною і деревом. У контексті постановки важливу роль відіграють з одного боку, певна грубуватість цих матеріалів, а з іншого – їхня природність і теплота. Костюми гармонійно дібрані в тон декораціям, завдяки чому вистава набуває тепло-охристої кольорової гамми.
Попри удавану натуралістичність і брутальність зображених подій сценічний текст Степана Пасічника (так само, як і драматургічний Мартіна МакДонаха), насправді є ніжним, тремтливим і надзвичайно «людяним».

Участь студентів театрального факультету ХНУМ ім. І. П. Котляревського у фестивалі недержавних театрів «КУРБАЛЕСІЯ»
Творчі підсумки

З 21 по 28 жовтня Харківський Будинок актора став справжньою цитаделлю театрального мистецтва. На запрошення фестивалю недержавних театрів «Курбалесія» до Харкова завітали театри з Москви, Орла, Києва, Сімферополя, Одеси та Львова. Кожен з них продемонстрував свою виставу в одній з трьох категорій – конкурсній, лабораторній та демонстраційній.

У першу чергу в конкурсній програмі брали участь гості фестивалю. Московський театр імені Йозефа Бойса порадував глядача несподіваною та цікавою виставою «Павлік, мій бог», що поставлена на основі п'єси-доноса на власного батька. Одесити подарували частинку теплого настрою та колоритного одеського гумору у виставі «Люди, звери и...бананы». Інші південні гості, сімферопольський театр «Ми» додали у коктейль програми фестивалю краплину абсурду виставою «Пікнік» за Ф. Арабалем. «Абсурдну» ініціативу підхопили й київські гості – театральна майстерня А. Білоуса «А. Бетка» з виставою «Упопабуласобака» за чотирма видатними світовими абсурдистами - Ф. Арабалем, С. Мрожеком, Е. Йонеско та C. Беккетом.
Харків'яни теж не залишались осторонь – ЦСМ «Нова сцена» продемонстрували виставу відомого російського режисера О. Яновського «Венеціанська ніч»; театр «Может быть» викликав неймовірно позитивні емоції виставою «Імперія янголів» за однойменним романом Б. Вебера; театр P.S. показав прем'єрну виставу «Я чекаю на тебе коханий» за текстами Д. Фо і Ф. Рамі. Демонстраційна частина фестивалю була представлена виставами Орловського театру «Свободное пространство», виставою «12 статевих заповідей» театральної майстерні А. Білоуса «А. Бетка» (м. Київ). Справжньою прикрасою програми став львівський «Театр у кошику» з моновиставою «Річард після Річарду».
Лабораторна програма «Курбалесії» була б неможливою й не мала такого успіху, без традиційної підтримки та участі Харківського Національного університету мистецтв ім. І. П.Котляревського (театрального факультету).
Студенти кафедри майстерності актора та режисури театру анімації в Учбовому театрі продемонстрували вистави високого рівня театральної культури. Глядачу було запропоновано дві постановки – вистава в ляльковому плані, з виразним спрямуванням «театру художника» – «Білий пароплав. Після казки» за мотивами повісті Ч. Айтматова. Режисер, заслужена артистка АРК Оксана Дмитрієва художник Наталя Денисова (головний режисер та художниця ХАТЛ ім. В. Афанасьєва). Обидві, відомі для харківського глядача, по виставам в Харківському академічному театру ляльок ім. В. Афанасьєва. У спекатлі були зайняті студенти 4 курсу спеціалізації «режисура театру ляльок»

«Білий пароплав» – виразне театральне дійство, в якому тісно поєднані вікові національні традиції, глибинна філософія і безпосереднє дитяче сприйняття навколишнього світу. Вистава запам'ятовується своїм оригінальним режисерським рішенням, виразним художнім оформленням, міцними акторськими роботами (О. Авдєєва, Я. Аносов, Є. Демещенко, Н. Підлісна, К. Чоботко). Завдяки метафоричного візуальному рішенню (герої - кам'яні валуни, люди, що перетворилися в соляні стовпи) «Білий пароплав» можна віднести до напрямку театру художника. Спектакль-притча змушує задуматися про долю людини, що відірвалася від свого коріння і, одночасно, про трагедію роду, який зрікся від свого права на продовження.
Друга вистава «Каліка з острова Інішмаан» за гостро сучасною ірландською драматургією М. МакДонаха, була продемонстрована у «живому плані» 4 курсом, спеціалізації «акторське мистецтво театру ляльок». Режисер заслужений діяч мистецтв Степан Пасічник. Спектакль атмосферо і образно поетично (при мінімалізмі сценічних засобів) втілює буттєву тематику: неспокійний пошук однієї спрямованої до самопізнання душі, здатний сколихнути ряску загальної байдужості світу. Постановка привертає увагу «живою» жанровою палітрою. Фарс межує в ній із психологічною драмою, «житіє блаженного великомученика» - із брутальною «новою драмою».
У виставі зайняті студенти IV курсу: Д. Бахур, Є. Демещенко, Н. Латун, Л. Лебедєва, Ю. Моісеєнко, А. Одокієнко, А. Остапенко, Г. Савінов, А. Шаміна та актор В. Доценко.
Обидві вистави отримали схвальні відгуки від професіоналів, експертної ради фестивалю, незалежного журі молодих театрознавців, а також заслужені нагороди: «Білий пароплав. Після казки» за краще режисерське рішення та художнє втілення вистави, «Каліка з острова Інішмаан» – «за створення режисером якісного акторського ансамблю».
Під час фестивалю у рамках лабораторії проходив конкурс усних рецензій серед студентів-театрознавців харківської та львівської школи, за проведенням якого слідкувала спеціально обрана експертна рада. До її складу увійшли викладачі ХНУМ ім. Котляревського, кафедри театрознавства: старший викладач Інга Лобанова, старший викладач, кандидат мистецтвознавства Яна Партола, а також гості фестивалю – видатний мистецтвознавець із Києва Віталіна Поліненко, режисер творчої майстерні «Театр у кошику» НЦТМ ім. Леся Курбаса, заслужений діяч мистецтв України, відомий театрознавець – Ірина Волицька і актриса цього театру, заслужена артистка України Лідія Данильчук.

Отже, практика усних рецензій поміж молодих критиків виявилась надзвичайно корисною і не тільки додала певного досвіду, знань, але й зміцнила зв’язки зі львівськими колегами. Львівські та харківські студенти були відзначені нагородами експертної ради.
У стінах театрального факультету ХНУМ ім. Котляревського відбулася творча зустріч з вище згадуваним режисером та актрисою «Театру у кошику» Іриною Волицькою та Лідією Данильчук. Під час зустрічі був здійснений майстер-клас, показані уривки з вистави «Сон» за поетичними творами Т. Г. Шевченка у виконанні Лідії Данильчук. Пані Ірина розповіла про заснування їхнього театру, його якісний класичний репертуар, дала цінні поради і акторам, і режисерам, і театрознавцям.
Фестиваль «Курбалесія» ще раз підтвердив, що інтенсивний мистецький пошук триває саме в недержавних театрах України та за її межами. Протягом фестивалю ми побачили як кращі, так і гірші зразки театрального мистецтва, завдяки яким учасники зробили чимало висновків. Кожен із театрів мав змогу познайомитися і поспілкуватися з іншими колективами, переглянути й оцінити їх роботи. І кожна отримана нагорода стала певним стимулом для нових досягнень, пошуку оригінальних ідей, поштовхом бути найкращими наступного року.

16 октября. Закрытие фестиваля Харьковские ассамблеи.

Фестиваль классической музыки «Харьковские ассамблеи» подошел к своему завершению. За 16 дней праздника музыки Харьковский университет искусств принял в своих стенах гостей из Великобритании, Италии, Испании, России. Для слушателей и участников были открыты Большой и Малый залы, а также новый Камерный зал, где прошли концерты, мастер-классы, творческие встречи, теоретическая конференция, но главное – музыканты из разных уголков Европы общались, делились опытом и своим пониманием музыки, искали общий язык и наслаждались совместным исполнением шедевров музыкальной классики.
Татьяна Борисовна Веркина, организатор и идейный вдохновитель фестиваля с грустью отмечая, что ассамблеи подошли к завершению, поблагодарила всех организаторов, участников и ведущих.
В заключительном концерте приняли участие гости Юрий Насушкин (Испания), уже выступиший в рамках ассамблей как скрипач-исполнитель и скрипач-педагог, а весь сегодняшний вечер провел за дирижерским пультром, Виктор Абрамян (Россия), солирующий в Скрипичном концерте Ф. Мендельсона, а также неизменный участник фестиваля – Молодежный академический симфонический оркестр «Слобожанский».
Программа заключительного концерта буквально воплотила собой бетховенскую концепцию от мрака к свету. Открывшись траурным Cantus Арво Пярта памяти Б. Бриттена с мерным, леденящим ударом колокола и живой, трепещущей, пульсирующей интонацией хора струнных, концерт продолжился Концертом ми-минор для скрипки с оркестром Ф. Мендельсона, который провел слушателей от светлой печали и взволнованности первой части, через лирику второй к игривой скерцозности третьей. Центром концертной программы стала Концертная симфония В.А. Моцарта для скрипки и альта с оркестром – единственное сочинение композитора, написанное для подобного состава исполнителей. Скрипачка Элла Злотникова и Юрий Насушкин, выступивший в качестве альтиста и дирижера одновременно в этом сочинении сформировали удивительно гармоничный дуэт и столь проникновенно исполнили каденцию второй медленной части концерта, что, казалось, можно было угадать замысел Моцарта: каденция должна звучать так, будто солисты настолько увлеклись совместной игрой и прекрасной темой, что забыли обо всем мире и о своем оркестре. Не случайно, именно ее они исполнили на бис и вызвали новую порцию оваций. Блестящим финалом концерта стала праздничная «Кармен-сюита» в транскрипции для струнных и ударных Р. Щедрина, вернув слушателей от Моцарта к музыке ХХ века.
Так подошли к концу юбилейные Харьковские ассамблеи. Однако противление злу искусством продолжается. «У вас, харьковчан, особая аура и особая атмосфера в вашем университете, вы живете в ней и потому не чувствуете. Берегите ее», – говорил ранее, на мастер-классе Юрий Насушкин, заставив задуматься о том, ценим ли мы то, что имеем.
«У нас нет никаких кризисов, кризисы и разруха в головах, - отмечает Татьяна Веркина, - и пока мы собираемся здесь, в этом зале, на этом фестивале, это значит, что мы можем противостоять разрухе». Нельзя не согласиться с этими вдохновляющими словами и пожелать фестивалю дальнейшее процветание.

14 октября. Мастер-класс Юрия Насушкина (Испания)
«Чего вы хотите от скрипки – самый главный вопрос»

12 октября Юрий Насушкин предстал перед слушателями как скрипач-исполнитель, в дуэте с Лидией Стратулат. Сегодня же музыкантам удалось поближе познакомиться с Юрием Абрамовичем как неординарной личностью и педагогом в течение двухчасового мастер-класса с небольшой беседой после, в которой слушателям была дана возможность задать интересующие вопросы.
В мастер-классе участвовали студенты класса Леонида Алексеевича Холоденко – Дарья Чистякова (I курс), Мяо Хао (III курс) и Диана Овчарова класса Сергея Анатольевича Евдокимова.
От мастер-класса лично у меня остались только положительные впечатления. Юрий Насушкин обладает удивительно позитивной энергетикой и чувством юмора, любит поговорить о музыке и «встряхнуть» студента, заставить его вылезти из «ракушки» прилежного исполнительного ученика, добросовестно следующего тому, что ему сказал педагог и проявить себя как личность, пусть ошибающаяся по неопытности, но инициативная, поскольку убедительное исполнение возможно только тогда, когда музыкант сам верит в то, что он играет. Юрий Абрамович не просто давал «советы» и «рекомендации», как он сам определил мастер-классы, а попытался разговорить студентов, понять чего они хотят, к чему стремятся. «Что ты сейчас читаешь? Я не имею в виду эту партитуру.», «Что вы хотите от скрипки? Играть, преподавать?», «Espressivo – это что для тебя?» – спрашивает он.
Как мне кажется, сам Юрий Насушкин придерживается в игре нескольких ключевых моментов: он не боится искать в музыке контрасты, чего зачастую избегают исполнители, боясь утратить ощущение целого и «поломать» форму, он стремится играть «стильно», задумывается об эпохе, о соответствующей времени сочинения амплитуде эмоциональных и штриховых оттенков. Он артистичен на сцене, и в поисках адекватной манеры исполнения, ищет и то, что близко ему самому, что ему хочется выразить в том или ином произведении. Того же он пытался сегодня добиться и от наших скрипачей.
Он сразу же признался, что не любит мастер-классы. «Я также против “показа” учеников, мы будем все находится в одной лаборатории, здесь не будет дистанции сцена – зал», - отметил педагог и предложил зрителям, то есть по его правилам, участникам мастер-класса, сесть поближе к «месту действия».
Действие началось с исполнения экспозиции I части Седьмого скрипичного концерта В. А. Моцарта Дашей Чистяковой. «Тебе нравится эта музыка?» - первое, что спросил Юрий Абрамович у студентки и…попал в точку. «Ты влюблена в нее? Мне кажется, ты немножечко не влюблена. Ты играешь не себя, а главное – не Моцарта». «Я не совсем понимаю этот концерт», - честно призналась студентка, и от этой точки отсчета началась работа. «Нужно не просто решить, ЧТО ты играешь, но главное – ПОЧЕМУ?» - говорит педагог. «Ты потеряла возможность удивляться и играешь так, как будто бы обо всем знаешь». Часто музыканты, особенно юные, отказываются от произведений, которые им не нравятся. Он отметил, что собственное отношение к тексту можно изменить, задумавшись, о чем говорит музыка в каждой новой фразе, даже если изначальной любви нет. Исполнители должны уметь играть самые разнообразные произведения вне зависимости от того, когда и кем они были написаны.
Для начала он посоветовал обратить внимание на детали, на контрастные тематические элементы, которые не должны быть исполнены одним и тем же звуком, обратиться за поиском «удивления» к партитуре концерта, благодаря чему ее собственная партия заиграет новыми красками. «Ты не совпадаешь с духовиками! – отметил он в одном эпизоде, - они тебе этого не простят». Рекомендовал он и заглянуть в Urtext, поскольку редакция, какая бы замечательная она не была и сколько ценных аппликатурных указаний не содержала, очень многое навязывает, в том числе и то, к чему исполнитель может и должен прийти сам, исходя из подлинника. В эмоциональном отношении он посоветовал умерить серьезность «умудренной опытом женщины» в исполнении и добавить игры, легкости, возможно, театральности.
«Ну, а теперь давай посмотрим, насколько я все испортил», - сказал Юрий Абрамович Дарье в конце занятия и предложил ее исполнить экспозицию еще раз. И как бы скептически он сам не был настроен по отношению к получасовому уроку, на этот раз музыка прозвучала гораздо осмысленней и убедительней.
Диана Овчарова намеревалась исполнить только вторую часть знаменитой сонаты «Дьявольские трели», однако Юрий Абрамович попросил ее продолжить и сыграть третью, быструю часть. «Дьявола меньше, чем хотелось бы….. Хотя трели и получаются!» - после некоторой паузы произнес он. В исполнении, по его мнению, было много «усредненного» звука, тогда как программность, заявленная композитором, предполагает больше контрастов. Он обратил внимание на ремарку espressivo, спросив у студентки, что она для нее значит. «Выразительно», - ответила послушная ученица, на что последовал незамедлительный встречный вопрос: «А что ты хочешь выражать?». Существует определенный стереотип, против которого выступает Юрий Насушкин – понимать espressivo исключительно как страстно, тогда как оно означает «выразительно». Выразительность может быть драматической, страстной, а может быть и сдержанной, исполненной с помощью небольшого количество смычка – как раз то, что нужно в начале части, тогда как в дальнейшем развитии уже можно расширить амплитуду и прийти к другой, более взволнованной звучности.
Мяо Хао, на сегодняшний день студент III курса, поступивший в консерваторию в 16-летнем возрасте и неоднократно удивлявший слушателей блестящим исполнением скрипичной музыки, сегодня представил два контрастных сочинения – XXIV каприс Н. Паганини и Гавот E-dur из Партиты И. С. Баха. По поводу каприса Юрий Абрамович воздержался давать советы, поскольку музыкант звучал достаточно естественно, а работа над техникой – это не материал для мастер-класса, тогда как в Гавоте Баха началось настоящее сражение. Студент, завершив каприс, начал играть Гавот таким же звуком. «Мы уже находимся с вами в Венявском – незаметно перескочили 200 лет», - говорит педагог. Вы играете романтическую музыку. Не было этого у Баха и быть не могло! Это родилось только через 200 лет. Он обратил внимание на танцевальность, присущую Гавоту, полифоническую природу мелодической линии, на синтаксическую структуру фраз, что несколько нивелировалось в исполнении Мяо Хао. Важным, по его мнению, является начало мелодии из затакта, поскольку это музыка, начинающаяся с тишины, и здесь должен быть момент предслышания. Мяо Хао старался следовать рекомендациям педагога, но все равно постоянно возвращался к «патетической» манере исполнения, с которой пытался бороться Юрий Абрамович. «Вам не случайно дали этот Гавот, - вынес он в конце, - хотя вы могли бы справиться с любым технически сложным произведением. Сложное Вам играть проще, чем простое».
С большой осторожностью советует Юрий Насушкин пользоваться вибрато. В одних случаях чрезмерное вибрато неуместно по стилю, как скажем у Мяо Хао в Гавоте из Партиты И. С. Баха, где этот прием усиливал и без того чересчур романтическую манеру исполнения. В других случаях вибрато угрожает чистоте интонирования, на что он обратил внимание Дарьи Чистяковой.
В завершении мастер-класса Юрий Насушкин поблагодарил Леонида Алексеевича Холоденкоза теплый прием, отметил, что ему было необычайно приятно работать с талантливыми студентами и охотно ответил на несколько вопросов, заданных публикой.

Дуэт гостей из Испании со славянскими корнями существует уже более тридцати лет. Юрий Насушкин родился в Украине, закончил киевскую консерваторию и затем – Российскую академию им. Гнесиных, на сегодняшний день - творческий руководитель Высшей консерватории Астурийского княжества. Лидия Стратулат, родом из Молдовы, сегодня – профессор Королевской академии музыки Мадрида.
Обладая огромным опытом исполнения самого разнообразного репертуара, они выбрали необычайно красочную, контрастную программу. Начали с фа-минорной сонаты для скрипки и фортепиано С. Прокофьева, перешли к солнечной Сонате К 374 В. А. Моцарта, и вернулись к славянскому колориту в сонате Ж. Энеску, сыграли «Милонга» А. Пьяцоллы в качестве музыкального сюрприза и завершили Adagio И. С. Баха.

Прокофьев предстал удивительно разноплановым. Не случайно Д. Острах, которому посвящено произведение, считал ее одним из ярчайших скрипичных сочинений, написанных в ХХ веке. Здесь было все: и остросовременная резкость, механистическая жесткость, столь свойственные молодому С. Прокофьеву, близость экспрессионизму в неожиданных взлетах скрипки, выходах в крайние регистры. Вторая часть, напротив, звучала почти нежно, призрачно, оказалось, что Прокофьеву здесь необычайно близок импрессионизм – ее красочность и даже некая мистичность были ярко подчеркнуты исполнителями. Третья часть раскрылась в всем богатстве интонации и инструментовки, звуча почти как оркестровое произведение. Для нее характерны скерцозность, ярмарочность тематизма, подчеркнутая игрой штрихов, тембра – длительной игрой пиццикато, имитирующей звучание балалайки.
По сравнению с Прокофьевым, совсем иначе звучал дуэт в Сонате В.А. Моцарта – более камерно, салонно. Это был дуэт, в котором скрипка и фортепиано не ведут некую работу, а подлинно играют – беззаботно порхает скрипка, имитируя и подражая только прозвучавшей фразе фортепиано, почти театрально копируя мотивы. Так было написано самим В. А. Моцартом, но Ю. Насушкин вынес «игру» на первый план. Здесь проявил себя удивительный артистизм скрипача, внимание к каждому мотиву. Для нас почти штампом звучит выражение о том, что для Моцарта характерна многотемность и многоэлементность тем. Что это значит для исполнителя? Юрий Насушкин не боится подчеркнуть контрасты, он ищет для каждой новой фразы новый способ исполнения, в результате чего возникает впечатление, что рождается новая музыка, которую нельзя предугадать, .несмотря на классичность мелодии, гармонии и ритма.

Для исполнения Сонаты Дж. Энеску дуэт снова преобразился – на этот раз и внешне: Юрий Насушкин вышел на сцену в вышиванке, подчеркивая близость национального румынского колорита украинского. И действительно, музыка звучала удивительно близко нашей национально, до боли знакомо, с особой «щемящей» интонацией, подчеркнутой исполнением, благодаря чему произведение звучало не только виртуозно, гармонично по стилю, но и буквально до боли прочувствованно.

11 октября. Вокальная музыка. Концерт класса заслуженного деятеля искусств Украины, профессора кафедры сольного пения ХНУИ Людмилы Георгиевны Цуркан

Кафедра сольного пения всегда играла важную роль в развитии музыкальной культуры Украины и за ее пределами. За 85 лет своего существования харьковская вокальная школа воспитала много высокопрофессиональных певцов, которыми гордится вся Украина. Благодаря нашим замечательным, незаменимым преподавателям, молодые люди из «сереньких» студентов незаметно становятся яркими звездами, известными не только на Украине и в России, но и далеко за их пределами.

Одним из таких великих педагогов является наша всеми любимая и уважаемая Людмила Георгиевна Цуркан – заслуженный деятель искусств Украины, профессор, заведующая кафедрой сольного пения, замечательный человек, неустанный, энергичный преподаватель, полностью посвятивший себя и свою жизнь искусству. Это действительно учитель с большой буквы, ставший не только требовательным преподавателем для своих учеников, но и второй их мамой, бережно относящейся к каждому из своих «детей». Выпускница Одесской консерватории, ученица заслуженной артистки УССР Ольги Благовидовой, солистка Одесского оперного театра, исполнительница более 30 партий на разных оперных сценах Людмила Георгиевна вот уже более 50-ти лет продолжает свой творческий путь, неся на своих хрупких плечах всю тяжесть этого нелегкого и ответственного труда.

Одной из ее особенностей является склонность к проведению тематических концертов. Людмила Георгиевна стремится, чтобы важная просветительская миссия осуществлялась через концертную эстраду, и поэтому способствует тому, чтобы на ее концертах слушатель мог познакомиться с малоизвестной музыкой.

Сегодняшний концерт не был исключением. Он был посвящен трем великим фигурам в музыкальном мире: Моцарту, со дня смерти которого исполняется 220 лет, Листу – двухсотлетие со дня рождения которого мы отмечаем в этом году, и великому оперному композитору Вагнеру –110-тилетие со дня смерти.

В концерте прозвучали самые различные произведения этих авторов: номера из опер: «Дон Жуан», «Свадьба Фигаро», «Волшебная флейта» Моцарта; «Аида», «Бал-маскарад», «Корсар», «Сила судьбы», «Отелло», «Симон Бокканегра» Вагнера, и сочинения Листа: «Радость и горе», «Лорелея», «Как звонок птичий хор», «О, где он?» и многие другие не менее знаменитые творения этих великих художников, которые были исполнены на высоком профессиональном уровне.

Видна была прекрасная подготовка учеников и уже выпускников Людмилы Георгиевны Цуркан. Особенно ярко и эффектно прозвучали ария Бартоло из оперы «Свадьба Фигаро» Моцарта и романс из оперы Верди «Симон Бокканегра» в исполнении Сергея Замыцкого. Необычным и неожиданным в контексте западно-европейской музыки было звучание украинской народной песни «Ой, глибокий колодязю» в исполнении Оксаны Крамаревой (приз за лучшее исполнение народной песни на конкурсе в г. Курск). Вместе с Анной Шаповал, голос которой звучал очень проникновенно и нежно, слушатели пережили всю трагичность образа Аиды. Романс Леоноры из оперы «Корсар» прекрасно исполнила Анна Бычкова. Легкостью и непринужденностью впечатлило также исполнение Олегом Жемчужиным арии Папагено из оперы «Свадьба Фигаро» Моцарта.

По окончании каждого выступления звучали бурные аплодисменты и крики «Браво!». В конце концерта публика стоя приветствовала как выступающих, так и их замечательного преподавателя – Людмилу Георгиевну Цуркан, вложившую всю свою душу в подготовку этого незабываемого вечера.

Так торжественно окончился еще один прекрасный концерт в рамках международного музыкального фестиваля «Харьковские ассамблеи».

Остановись мгновение, ты прекрасно!

Так хотелось воскликнуть после концерта вокальной музыки под несмолкаемые аплодисменты и крики «браво». Так жаждалось, чтобы музыка не умолкала, а лилась бы и лилась в этом уютном камерном зале! И этот голос – такой чарующий, трепетный, журчащий, полетный, иногда густо обволакивающий…

«От Моцарта до Гершвина», три века из жизни музыки – такова хронология концерта, который прозвучал в исполнении лауреата международного конкурса «Искусство ХХІ века» в Португалии, обладателя Гран-при Наталии Поликарповой (сопрано) и дипломанта международных конкурсов Дианы Гендельман (фортепиано) при участии лауреата международных конкурсов, солиста ХАТОБа Сергея Замыцкого и дипломанта международного конкурса «Алчевский-дебют» Анны Аристарховой. Австрия, Италия, Франция, США – такова его география. Разные стили, разные эпохи, разная музыка. Моцарт, конечно же Моцарт с его сверкающими, искрометными образами, тонкой назидательностью! Всегда новый – и в давно известных, хрестоматийно-концертных ариях (ария Вителии из оперы «Милосердие Тита», Ария Эльвиры из оперы «Дон Жуан»), и во вновь обретаемых для сценического исполнения музыкальных образцах («Предупреждение»). Ярчайшие представители итальянского вокального мастерства: неиссякаемый автор множества популярных опер Джузеппе Меркаданте (концертная ария «Час зефира»), тонкий и нежно-проникновенный Винченцо Беллини – мастер итальянского bel canto (Vaga Luna), искристый Сальваторе Маркези (Аллегро), ярко-реалистичный представитель оперного веризма Руджеро Леонкавалло (песенка Мими из оперы «Богема»).
Ну а как де может лирика обойтись без французов с их обольстительной чувственностью мелодий, требующих особой мягкости и проникновенности звучания голоса?! «Французский Моцарт» Оффенбах и его «Баркарола» – удивительный по красоте дуэт из оперы «Сказки Гофмана», прозвучавший в исполнении Наталии Поликарповой и Анны Аристарховой, страстные французские романтики, внесшие контрастную струю в общий блистательный колорит концерта, – Камиль Сен-Санс (драматическая ария Далилы из оперы «Самсон и Далила» и сумрачно-гротесковая «Пляска мертвецов», представленные вниманию аудитории А. Аристарховой и С. Замыцким), Жорж Бизе (Сегидилья из оперы «Кармен», А. Аристархова), тонкий и столь чувственны й Жюль Массне (ария Саломеи из оперы «Иродиада», романсы «Это любовь» и «О если бы цветы могли»), неординарный Эрик Сати, певец простоты, экстравагантности и по-французски томной чувственности («Вальс желаний»).

И, наконец, Новый свет – Америка, столь яркая, театрально-блистательная, впитавшая европейские традиции и взорвавшая мир непривычно-новым звучанием джаза, мюзик-холла, который в нынешнем концерте репрезентировали Дж. Гершвин с его проникновенным дуэтом Порги и Бесс из оперы с одноименным названием (С. Замыцкий, Н. Поликарпова) и В. Херберт с зажигательной, экстравагантной и одновременно очень искренней песенкой Примадонны из оперы «Чародейка», завершившей музыкальную феерию, представившую вниманию почитателей вокальной музыки целую галерею ярких и незабываемых образов.
Помимо широкого охвата стран и континентов, нынешний концерт вписался в географическую традицию своими открытиями новых, неизведанных «музыкальных территорий». Впервые в Харькове прозвучали сочинения Дж. Меркаданте («Час зефира»), Ж. Массне («Это любовь»), Э. Сати («Вальс желаний»), В. Херберта (песенка Примадонны) в исполнении столь органично-блистательного творческого союза Наталии Поликарповой и Дианы Гендельман.
Есть у данного концерта и одна «личная» особенность. Так случилось, что юбилейный год Харьковских ассамблей совпал с юбилеем данного творческого тандема: в этом году исполняется 10 лет их «совместной концертной жизни».
Два талантливых, тонких, неутомимых в творческом поиске Музыканта… Диана Гендельман, один из «столпов» концертно-камерного пения в Харькове. Среди ее воспитанников народные артисты России Ирина Журина, Зоя Митрофанова, солисты Большого театра Максим Пастер, Александра Дурсенева, солисты театров Украины Алла Поздняк (Киев), Алла Мишакова, Оксана Крамарева, Елена Старикова, Евгений Лисицкий (Харьков) и др. Вся ее творческая деятельность отмечена чертами эвристичности, открытия новых, неизведанных еще областей камерной вокальной музыки. Так, силами Дианы Гендельман и ее воспитанников был подготовлен ряд тематических концертов, среди которых – концерт, посвященный песням Г. Вольфа, концерт-премьер «С любовью к Греции»; постоянно звучат в концертном исполнении обнаруженные ею в нотно-архивных глубинах интереснейшие, но ранее неисполняемые (поскольку неизвестные) сочинения.
Наталия Поликарпова, тонкий музыкант, неутомимая труженица и просто обворожительная женщина, с удивительной и какой-то неисчерпаемой творческой отзывчивостью. Она – постоянный участник «Харьковских ассамблей», всех университетских концертов, концертов памяти харьковских композиторов (памяти В. Бибика, К. Горского), концертов класса тех педагогов, с которыми ей довелось общаться в процессе учебы, и различных мероприятий любого, иногда даже самого нестандартного, формата (например, эрудит-турнира, посвященного 200-летию со дня рождения Ф. Шопена, где Наталия исполнила романс Ф. Шопена «Моя баловница» в качестве музыкального вопроса для участников). Ей одинаково подвластны и старинная музыка с клавесином, и современная музыка с ее нетрадиционными требованиями к вокалу.

Если одним словом обозначить общее настроение прошедшего концерта, то им будет РАДОСТЬ. Радость жизни, радость прекрасной осени, радость одухотворенного чувствования, радость самого творчества. И пусть это лишь сверкающая вершина айсберга, когда от глаз стороннего наблюдателя скрыта непроницаемыми водами основная его часть, порой опасная своими очертаниями и изломами, – упорный многолетний труд, постоянный поиск, не позволяющий ни на минуту остановиться, расслабиться. Но так сладостны минуты озарения, так чарует голос изумительными по своей мелодичности напевами!

«Слобожанский» за время существования ассамблей выступал с самыми различными дирижерами. В этом году музыканты сотрудничали с Тимоти Рейнишем (Великобритания), Дмитрием Лисом (Россия), впереди – репетиции с Дмитрием Насушкиным (Испания), но сегодня впервые за многие годы за пультом оркестра оказалась женщина. Рейчел Янг (Rachel Young, Великобритания), виолончелистка и дирижер по образованию, обладающая впечатляющим опытом профессиональной карьеры. Она работает с лондонскими камерными оркестрами Barnet, The Tudor Orchestra, The Winchmore Hill String Orchestra, является приглашенным дирижером Санкт-Петербурга, управляла симфоническим оркестром академии им. Сибелиуса, участвовала в мастер-классах в Чехии и фестивале Д. Ойстраха.
Рейчел Янг удалось сегодня продемонстрировать свое мастерство и в работе с оркестром, и с солистами. Возможно, это было лишь впечатление, навязанное убеждением, что все должно быть иначе, но ее техника казалась принципиально отличной от мужской: никаких движений всем корпусом, только рука от плеча, большая пластичность, внимание к микрожестам.
Несмотря на то, что из заявленной в программе музыки не все сочинения были исполнены, концерт был довольно разнообразен по содержанию. Уже во второй раз в этом фестивале прозвучала Каватина Фигаро, сегодня в исполнении харьковского вокалиста Олега Жемчужина. Многие впервые познакомились с Темой с вариациями В. А. Моцарта для фортепиано в 4 руки и оркестра в транскрипции В. Птушкина, с блеском и выразительностью представленные пианистками А. Сагаловой и М. Бондаренко, выпускницами класса Т. Б. Веркиной. Сочетание свободно льющейся партии фортепиано с немногословными, лаконичными репликами струнного оркестра было прекрасно найдено Владимиром Птушкиным, чтобы, сохранив моцартовский оригинал, придать ему концертность звучания.
В начале вечера снова зазвучал «барочный» Гайдн – амплуа, в котором композитор продолжает открываться слушателю, что уже стало своеобразно традицией ассамблей. Вспомним игру со свечами «Ансамбля старинной музыки» под руководством Татьяны Гринденко 2009 года или вчерашний концерт «От барокко до классики».
Симфония № 49 f-moll Й. Гайдна, названная «La Passione», о «загадке» которой увлекательно поведала ведущая Е. Г. Рощенко, - сочинение, фактически написанное для барочного струнного оркестра, с клавесином в качестве basso continuo и минимальным участием духовых: единственное соло, порученное гобоям и валторнам приходится на трио менуэта (III часть). Нетипичное даже для Гайдна периода «Sturm und Drang» написание всех частей в минорных тональностях, медленная часть как открывающая цикл, страстность и динамизм быстрых, имитационные переклички инструментов в баховском духе – все это придает сочинению особый колорит, который удалось передать «Слобожанскому».

Но подлинное взаимопонимание оркестра и дирижера, пожалуй, состоялось в завершающей концерт Симфонии № 39 Es-dur В. А. Моцарта. Первая из симфонической «трилогии» 1788 года, она удивительно перекликается с героикой 3 симфонии Л. Бетховена, и в то же время остается верной моцартовской легкости, игре, ассоциируемым, как отметила Е. Г. Рощенко, с образом Дон-Жуана. Яркость оркестрового tutti, тонкость переключений между патетическими возгласами и легкими, порхающими пассажами, героической торжественностью и интимной, светлой лиричностью – все это отразило многогранный мир моцартовской симфонии и сформировало особую магию звука, которую посчастливилось почувствовать и слушателям.

9 Октября. Вечер Шубертовского общества.

В рамках фестиваля Харьковских ассамблей, в недавно открывшемся камерном зале Харьковского университета искусств им. Котляревского, с успехом прошёл концерт Шубертовского общества. В программе концерта прозвучала музыка В. Моцарта, М. Равеля, Ф. Шуберта в исполнении Александры Одокиенко (сопрано), Игоря Сахно (Бас), Александры Першиной (Фортепиано), Нины Инюточкиной (фортепиано). Ведущий концерта - президент шубертовского общества в Харькове Григорий Израилевич Ганзбург.
Открыла концерт актриса и певица, участница концерта, Александра Одокиенко, прочитавши стихотворение Луиса Сернуды - «Моцарт» (перевод с испанского Натальи Ванханен). В завершении концерта сама Александра вместе с другой Александрой – Першиной, приготовили публике интересный сюрприз. Исполняя 5
Греческих песен Равеля, Александры разыграли небольшую постановочную сценку.

Кстати, сам Равель имеет непосредственное отношение к Харькову. Во-первых, самое известное его произведение – «Болеро», было написано для танцовщицы Иды Рубинштеин, которая происходила из харьковской семьи. Во-вторых, сам маэстро посещал Харьков. В нашем городе он гастролировал как дирижёр и как начинающий композитор.
После концерта нам удалось побеседовать с президентом шубертовского общества Г. И. Ганзбургом.

А. Здолбников. Когда было создано Ваше общество? И что этому созданию послужило?
- Общество возникло в 1996 году. В 1991 году Татьяна Борисовна Веркина создала фестиваль «Харьковские ассамблеи», тем самым доказав, что частная инициатива реализуема. Бывший директор оперного театра Г. Селихов посмотрел на то, как мы открываем и открываем всякие новые движения, произнёс: «это синдром Веркиной». Конечно, Шубертовское общество возникло из-за ассамблей, потому что в начале был проведён фестиваль, посвящённый Шуберту в 1993 году, а потом, в 1996-м те люди, которые выступали на том фестивале и продолжали по инерции продолжали работать над Шубертом, организовали в Харькове Шубертовское общество.
- Вы участвовали в основании общества или Вы присоединились к нему позже?
- Я как раз его организовывал. У нас есть, так называемые, члены-учредители. Несколько из них, к сожалению, ушло из жизни. Из тех, кто стоял у истоков - Нина Валентиновна Инюточкина, а также Татьяна Борисовна Веркина. Из тех, кто ушёл из жизни: профессор нашей консерватории Зинаида Борисовна Юферова, музыковед Галкин, альтист, организовавший струнный квартет им. Шуберта, Феликс Щелкановцев. То есть общество организовали маститые музыканты, которые сами что-то внесли в изучение и пропаганду музыки Шуберта.
- Сколько сейчас человек состоит в обществе?
- Общество всегда насчитывает до 20 членов в своих рядах. Кто-то, к сожалению, выбывает, потом мы пополняемся молодёжью. Относительно все они маститые профессионалы, потому что это творческий союз.
- Почему Вы выбрали именно Шуберта? Тёплые чувства к Шуберту испытывают большинство музыкантов. Шубертовское движение - оно всемирно, и существует в 30-ти городах мира. Например, институт Шуберта в Вене. Нас туда в 1997 году приглашали на конгресс, посвящённый двухсотлетию со дня рождения Шуберта. Там я выступал на специальной конференции. То есть наше, харьковское общество является одним, из примерно 30-ти, которые действуют в мире под эгидой института Шуберта в Вене.
- С какими ещё обществами сотрудничает Ваше?
- Мы всё время состоим в переписке, и нам постоянно присылают приглашения из Вены, Парижа, на которые мы не можем реагировать, поскольку туда ездить очень дорого. В Лондоне английское Шубертовское общество опубликовало одну нашу статью. К сожалению, мы экземпляра не имеем, только в интернете её видели. Связи у нас с 96-го года налажены, и наших исполнителей хорошо знают. Например, недавно ушедший из жизни крупный русский музыковед Ю. Н. Хохлов, автор большинства русскоязычных изданий о Шуберте, редактор его собрания сочинений на русском языке. Он организовал Шубертовское общество России. Вот когда мы приезжали по его приглашению и давали концерт (там участвовала наша певица Татьяна Жарких), он сказал, что почти всё слышал, что записано по Шуберту. Но когда она спела «Двойника» и «Лесного царя», Хохлов заметил, что такого он не слышал никогда. То есть это то, особое качество, которое он отметил. У нас с Русским шубертовским обществом дальние связи. Ещё в 1993-м, по моей просьбе, Хохлов присылал статьи для нашего сборника научных конференций по Шуберту, и мы с ним поддерживали связь до самой его кончины.
-Каким Вы видите дальнейшие перспективы Вашего общества в будущем?
- Я бы хотел, чтобы в Харькове издавались книги о Шуберте. Такие книги мы пишем. Кое-что издано, а кое-что ожидает своего выхода. Я бы хотел, чтобы издавались ноты Шуберта в Харькове. Оригинальные редакции таких нот мы подготовили. Также кое-что уже издано, а кое-что ожидается издать. Мы хотим, чтобы как можно большее число музыкантов приняло участие в исполнении Шуберта, и как можно большее число слушателей Шуберта полюбило. Собственно для этого, мы и устраиваем такие как сегодня, редкие, но, на мой взгляд, успешные вечера публичного музицирования. Возможно, мы устроим следующий вечер публичного музицирования, где-то в январе, потому что именно в январе родился Шуберт. А Татьяна Борисовна Веркина обещала выступить в нашем следующем концерте и сыграть фа-минорную Фантазию Шуберта для фортепиано в четыре руки. Если её планы позволят, то мы как раз и воспользуемся этим её обещанием и включим в программу следующего концерта Татьяну Борисовну.
- Как Вы считаете, общество нужно расширять, или сосредоточиться на нынешних участниках?
- Мы следим за тем, что бы те музыканты, которые работают в Харькове, действительно знающие Шуберта, умеющие воспроизводить его на достойном уровне, имели связь с Шубертовским обществом. Мы ситуацию отслеживаем. Я в основном знаю всех музыкантов и музыковедов нашего города. Поэтому мы время от времени приглашаем поучаствовать на наших заседаниях и в публичных концертах людей, которые раньше не входили в Шубертовское общество. Насколько оно может быть расширено, я не уверен, что может быть больше 20-ти активных действительных членов. Хотя по уставу предусмотрены ещё и члены-посетители, т.е. те люди, которые приходят на наши концерты. Мы их членство пока не оформляли. Членство оформлено только для действительных членов, то есть для профессиональных деятелей искусства, которые вплотную связаны с музыкой Шуберта.

9 жовтня. Концерт «Від бароко до класики» в рамках міжнародного музичного фестивалю «Харківські асамблеї»

В неділю, 9 жовтня, у Великому залі ХНУМ ім. І. П. Котляревського відбувся концерт студентів ХНУМ ім. І. П. Котляревського під керівництвом професора Карстена Еккерта (блок-флейта, Німеччина) та професора Деніса Севєріна ( віолончель, Швейцарія).

В програмі вечора звучали твори Г. Ф. Телемана Сюїта для блок-флейти, струнних та basso continuo в 4-х частинах, Й. Гайдна Концерт для віолончелі соло, струнних, двох гобоїв та двох валторн в 3-х частинах, Симфонія № 29 В. А. Моцарта К 201 в 4-х частинах.

Головний задум концертної програми – стилістичне наближення до часової епохи. Це проявилось в манері та динаміці виконання, і головне, в самому складі оркестру, який нагадував той склад виконавців, який був в епоху Й. Гайдна, хоча і без клавесину та струнних того часу. Але це ще не все... Особливістю програми стало виконання творів без диригента. В бароковому оркестрі посади диригента як такої не було. Його роль виконував керівник оркестру, який сидів за клавесином і виконував партію генерал-баса та концертмейстер на солюючому інструменті, частіше скрипці. Проте часова відстань не завадила по-істинному насолоджуватись всією красою музики.

Влучними були коментарії Деніса Севєріна, який давав емоційне налаштування перед творами.
За відсутності безпосередніх слухових вражень, музиканти зуміли відтворити правдоподібні припущення, як це б звучало в реальності. Можна з впевненістю сказати: старовинна музика з кожним разом привертає все більше шанувальників і зацікавленість до неї не зникає.

8 октября. Камерный зал. Концерт греческой музыки

В рамках Харьковских ассамблей в новом камерном зале Харьковского национального университета искусств с успехом прошёл концерт греческой музыки. Одновременно он был приурочен к открытию Дней греческой культуры, которые в этом году отмечают десятилетний юбилей. Среди почётных гостей были Георгий Константинович Майшмаз, ответственный за информационно-издательскую работу Греческого общества «Гелиос», а также начальник сектора управления по делам национальности и связям с общественностью Харьковской областной администрации Людмила Ивановна Шевчук.

Этот год не стал исключением в отношении того, что всё больше открывается забытых имён, внесших вклад в развитие культуры нашего города. Нынешним героем стал общественный деятель, а также замечательный композитор греческого происхождения Ахиллес Николаевич Алфераки. Он родился в 1846 году в Харькове. Его семья оказала огромное влияние на общественное и культурное развитие двух городов — Харькова и Таганрога. Дед композитора получил в награду за боевые заслуги земли под Таганрогом от самой Екатерины II. Семья бабушки Алфераки славилась меценатской деятельностью. Брат композитора — Сергей Николаевич Алфераки — известный орнитолог и энтомолог, а внучатая племянница, Анна Марли, известна как автор «Песни партизан», ставшей неофициальным гимном Французского Сопротивления во время Второй мировой войны. Отец, Николай Дмитриевич Алфераки, входил в совет большого количества благотворительных обществ, превосходно играл на скрипке, рисовал, был знаком с К. Брюлловым и М. Щепкиным.

Ахиллес Николаевич получил блестящее домашнее образование, которое дало ему возможность поступить на историко-филологический факультет Московского государственного университета. Параллельно он брал уроки фортепиано и теории музыки у Воланжа, Прокша, однако систематически заниматься музыкой не имел возможности. В конце 1870-х Алфераки переехал в Таганрог, с 1880 состоял на должности городского головы. За время его пребывания на должности было воплощено в жизнь большое количество проектов по обустройству города, развитию культуры и образования.

После ухода с должности Алфераки переезжает в Петербург, где знакомится с членами беляевского кружка, ведёт переписку с П. И. Чайковским, активно занимается творчеством. В числе его сочинений — две оперы, двадцать три тетради песен и романсов для голоса с фортепиано, фортепианных пьес, хоров.

Благодаря усилиям преподавателя кафедры общего и специального фортепиано Университета искусств Ирины Евгеньевны Денисенко, инициатора концерта, а также содействию Греческого городского общества «Гелиос», сотрудников библиотеки Короленко и библиотеки Станиславского были найдены многие из сочинений греческого композитора. По словам Ирины Евгеньевны, ноты произведений из архивов, изрядно пожелтевшие от времени, прошли длительную и тщательную реставрацию, прежде чем появилась возможность их озвучить.

В программе концерта были представлены жемчужины камерно-вокальной музыки Алфераки, среди которых романсы на стихи Д. Мережковского, А. Толстого, А. Фета, И. Тхоржевского, М. Псалти и других. Они прозвучали в блестящем исполнении студентов кафедры сольного пения Харьковского университета искусств — дипломанта международного конкурса Анны Бычковой (сопрано), Артёма Сторожука (тенор), Ольги Юриной (сопрано) и лауреата международных конкурсов Ирины Евгеньевны Денисенко (фортепиано). Концерт прошёл в одном отделении и на одном дыхании. Исполнителям удалось создать атмосферу салонов XIX века, когда «эстрадный барьер» немного ретушируется, а публика становится не только созерцателем, но в какой-то степени «соучастником» музыкального действа. Эмоциональный строй звучавших романсов крайне разнообразен — было место и элегичности, и любовной лирике, и драматизму. И всё эти настроения передавались от исполнителей к публике со всей искренностью…

Глубокая по смыслу, передающая зрелые чувства, музыка Алфераки к тому же очень качественная, грамотно написанная, недилетантская — при том что композитор не имел профессионального музыкального образования. Сами исполнители признаются, что произведения достаточно сложны с технической точки зрения, но в то же время это дало возможность им раскрыть в полной мере исполнительское мастерство и виртуозность.

Имя Ахиллеса Алфераки, как в своё время имена Константина Горского и Александра Алчевского, вновь возрождается в памяти современного культурного общества. И остаётся надеяться, как сказала Ирина Евгеньевна, что «музыка Алфераки будет продолжать звучать не только в нашем исполнении, но станет неотъемлемой частью репертуара харьковских исполнителей и музыкальной жизни Харькова в целом».

ФОРТЕПИАННЫЕ АССАМБЛЕИ

О концерте класса Татьяны Веркиной в рамках международного музыкального фестиваля «Харьковские ассамблеи»

В насыщенной событиями и богатой на звучные имена афише «Харьковских ассамблей» упоминание о «Концерте класса…» грозило остаться незамеченным: где же здесь разгуляться фестивальному пафосу, когда концерт класса – обязательная и для кого-то, может быть, «рутинная» примета повседневной консерваторской жизни?.. Вероятно, так и могло бы случиться, если бы героем музыкального события оказался кто-то другой, но… Народная артистка Украины, кандидат искусствоведения, профессор, музыкант, не прекращающий своей педагогической и концертной деятельности даже будучи ректором ХНУИ, Татьяна Борисовна Веркина не нуждается в дополнительной «рекламе». Являясь инициатором и художественным руководителем «Харьковских ассамблей», она, безусловно, имеет все права на проведение концерта своего класса в рамках фестиваля. И каждый раз это событие становится объектом повышенного внимания со стороны почитателей ее педагогического и музыкального таланта.
В действительности, для большинства своих коллег – единомышленников Татьяна Борисовна предстает хранительницей заветов великой русской пианистической школы. Напомним, что блестяще закончив ХССМШ по классу Н. Гольдинер (наследницей традиций П. К. Луценко), ХИИ по классу В. Захарченко (пианистическая линия, идущая от В. Сафонова), Т. Веркина стажировалась в Московской консерватории под руководством нар. артиста СССР, профессора С. Г. Нейгауза, а впоследствии закончила там же ассистентуру-стажировку по классу нар. артиста России, профессора Е. Малинина (воспитанник Г. Г. Нейгауза). Лучшее из исполнительского и педагогического пианистического опыта Татьяна Веркина перенесла в свою творческую лабораторию, культивируя в своем классе идею преданного служения высоким идеалам искусства. Учитывая международный резонанс фестиваля, презентация педагогических достижений самого лидера в контексте творческих завоеваний других участников – представителей разных исполнительских школ, как отечественных, так и зарубежных, – кажется не только оправданным, но и необходимым. Кроме того, приобщением консерваторской молодежи к делам фестиваля организаторы создают основу для творческого долголетия «Ассамблей»: ведь те, кто сегодня может быть впервые выходят на фестивальную сцену, в будущем станут его хранителями?..
7 октября в заполненном Большом зале ХНУИ им. И. В. Котляревского выступили 15 воспитанников Татьяны Веркиной, представители всех возрастов – от первокурсников до выпускников и ассистентов-стажеров. Все – опытные конкурсанты, лауреаты серьезных международных состязаний. Между тем, зная критическое отношение Татьяны Борисовны к конкурсомании – популярной «болезни» нашего времени, – неоднократно высказываемое ею в многочисленных интервью, понимаешь, что главной идеей вечера была вовсе не демонстрация «наградного списка» класса, а представление творческих индивидуальностей, без деления на «первых» и «вторых», «именитых» и «простых». Не случайно поэтому ведущая концерта Екатерина Подпоринова (также, к слову, воспитанница класса Т. Б. Веркиной, а ныне канд. искусствоведения, педагог Университета), представляя исполнителей, ограничилась лишь их фамилиями и именами, оставив в стороне лауреатские титулы. Такой простой шаг позволил слушателям СЛЫШАТЬ саму музыку и, погружаясь в предлагаемые интерпретации, анализировать художественную, а не техническую сторону исполнения.
Программа концерта представляла поистине богатейшее пиршество музыкального вкуса, бездну эмоциональных оттенков, изыски пианистической техники. Ее фундамент составил романтический репертуар (Р. Шуман, Ф. Шопен, Ф. Мендельсон, Й. Брамс, Ф. Лист, П. Чайковский) с некоторыми «модуляциями» в импрессионизм (К. Дебюсси, М. Равель) и краткой остановкой в ХХ веке (С. Прокофьев). Но, несмотря на господство романтического стиля и в целом лирического настроения, вечер был лишен эмоционального однообразия, настолько разными даже в рамках одной композиторской манеры были сольные высказывания музыкантов.
Открывать концерт всегда психологически непросто. С этой ответственной задачей достойно справился Алексей Волик (I курс), продемонстрировавший в «Фантазии» Р. Шумана благородный, с «бархатными» басами звук, задав аудитории настрой на определенные тембровые ожидания. И действительно, последующие выступления не разрушили первых впечатлений. Всех исполнителей отличала высокая культура звука: тембр рояля раскрывался множеством граней, будучи у кого-то более волевым, но никогда – агрессивно-«ударным» (качество, к сожалению, показательное для многих современных пианистов). Этой особенностью исполнительской манеры воспитанники Татьяны Веркиной безусловно обязаны своему педагогу, чей пианистический стиль подразумевает помимо высокой технической оснащенности также и широту интеллектуального кругозора, душевную отзывчивость, что неминуемо отражается и в звуке.
Тему Шумана продолжила в концерте Мариам Дадашьян (IV курс), в трех пьесах из «Пестрых листков» воплотившая по-романтичному беспокойный мир полутеней и полунамеков. Неожиданно строго – минимум педали, подчеркивающий прозрачность фактуры, отсутствие ярко выраженных динамических волн – прозвучала «Весенняя песня» Ф. Мендельсона в трактовке Ольги Макухиной (II курс). Признаться, излишне суховатая манера исполнения несколько противоречила представлениям о «сладкозвучности» Ф. Мендельсона, равно как демонстрируемая сдержанность – весеннему настрою пьесы. Однако в последующей «Песне за прялкой» (из того же цикла «Песен без слов») пианистке удалось достичь бoльшего художественного результата за счет внутреннего раскрепощения, выявления личного отношения к исполняемому.

У Марка Сердюка (III курс) рояль звучит на редкость плотно, массивно, «весомо». Было ощущение «львиной» хватки в первой – «огненной» – фантазии Й. Брамса (op.116), бережное мягкое прикосновение во второй пьесе – лирической исповеди цикла и, наконец, ничем не сдерживаемая лавина чувств в стремительных пассажах заключительной фантазии. Эмоционально-волевой посыл пианиста был столь значителен, что буквально с первых звуков слушатели оказались в его власти.

Достаточно сдержанным был в брамсовском Интермеццо e-moll ассистент-стажер Дмитрий Дзюбак. Его исполнение стало небольшой остановкой перед стремительным финалом вечера – блистательной Тарантеллой Листа (из цикла «Венеция-Неаполь»), исполненной ассистентом-стажером Олесей Пупиной, покорившей слушателей своей филигранной техникой.

Прелюдии Клода Дебюсси прозвучали в интерпретации Максима Шадько (II курс) и студента магистратуры Антона Коршакова. Игру первого отличала естественная природная живость, по-весеннему остро ощущаемая полнота бытия: словно сок жизни струится по венам растений… Никаких «застылостей» и статики, ложно-привлекательных для исполнителя в импрессионистской музыке – искусстве остановленных мгновений. Особенно ценным было это ощущение в «Ароматах и звуках…», поданных Максимом как интересное повествование с динамичной драматургией. Последующий «Фейерверк» лишь закрепил эти впечатления. В «Шагах на снегу» и «Ветре над равниной» А. Коршаков предпринял попытку философского осмысления музыки Дебюсси, высвечивания в ней скрытого драматического подтекста. Подчеркнуто нарочитое акцентирование основного мотива – лейтобраза всей прелюдии, как и более быстрый темп исполнения – усилили ощущение ирреальности происходящего, близкого состоянию бреду. При этом нельзя не отметить мастерски-зрелого владения Антоном пространственно-фактурными и регистровыми эффектами, которыми так богата подобная музыка, а также стремление пианиста к «одухотворенному» piano. Достойным дополнением к мужскому взгляду на импрессионизм стала «Ундина» М. Равеля в исполнении Екатерины Замлелой (IV курс). Под ее стремительными, как водный поток, пальцами, легко преодолевающими любые технические трудности, история о прекрасной «Ундине» ожила, разлившись хрустальной россыпью пассажей, оставив ощущение необыкновенной прозрачности и света.

Страницы шопеновской музыки слушателям открывали этим вечером студент III курса Александр Ярецкий (который предложил собственную, глубоко продуманную концепцию одного из самых трудных произведений Ф. Шопена – «Баркаролы») и выпускник магистартуры Максим Лавров. Его исполнение Сонаты №2 (1 ч.) было очень музыкальным и оставило ощущение полноты, настолько оно тонким и глубоким проявил себя пианист.

Нельзя не отметить феерический листовский «Мефисто-вальс», также феерически исполненный студентом магистратуры Андреем Мисиком. Но хочется отметить не только его технику, которой он всегда покоряет слушателей. Пианист продемонстрировал умение, во-первых, выстроить форму этого очень сложного сочинения Листа, и, во-вторых, быть не только техничным, но и лирически-проникновенным (в медленных эпизодах Вальса).
Контрастным тембром (по отношению к преобладавшему романтическому репертуару) прозвучал рояль выпускника магистратуры Валентина Смолянинова в Сонате №4 С. Прокофьева. Зал заполонил отточенный, по-прокофьевски чистый, легкий, почти звенящий, стеклянно-серебристый фортепианный звук.

Еще одним стилевым «отступлением» стало исполнение ассистентом-стажером Павлом Чернявским трех пьес из цикла «Времена года» П. Чайковского. Зрелость этого музыканта проявилась в четком отборе пианистических средств в этой на первый взгляд простой музыке. Под его пальцами «Январь», «Май» и «Ноябрь» стали не просто зарисовками природы и быта. Тонким проникновением в музыку Чайковского пианисту удалось обнаружить ее психологический подтекст, иллюстрируя своим исполнением страницы жизни бессмертной русской Души.

Кульминационным моментом вечера стало выступление фортепианного дуэта, вдохновенно исполнившего «Патетический концерт» Ф. Листа. Студенты магистратуры Игорь Седюк и Олег Копелюк органично дополняли друг друга, проявили себя блестящими ансамблистами и завершили концерт, воссоздав пафос романтического высказывания, свойственный всему концерту в целом.

Состоявшийся концерт в очередной раз подтвердил известную истину об невероятной сложности романтического и импрессионистского репертуара, требующего гармоничного объединение рационального (техника) и эмоционального. Если с первым у большинства выступавших видимых проблем не было, то второго – если говорить об общем впечатлении от вечера – порой явно не доставало. В этом, скорее всего, сказалось отсутствие и житейского, и чувственного опыта переживания; ощущалась недостача чисто человеческой и духовной зрелости. В то же время неподдельная творческая искренность выступавших, их открытость, смелость дерзаний, порождавшая интересные интерпретации хорошо знакомой музыки, окупали многое, в том числе и технические огрехи и эмоциональную неопытность. Слушатели стали свидетелями настоящего, подлинно живого и благотворного процесса творчества, без которого искусство мертво и безлично. Можно лишь поздравить Т. Б. Веркину с тем, что как мудрый мастер она дает своим воспитанникам жить и дышать в искусстве, не создает своих копий, а помогает раскрыться тому неповторимо ценному, что есть в каждом из них.

7 октября. Концерт класса народной артистки Украины, профессора Татьяны Веркиной

Еще один вечер Харьковских ассамблей позади. Венцом седьмого дня стал концерт класса народной артистки Украины, ректора Национального университета искусств Веркиной Татьяны Борисовны. В целом о концерте хотелось бы сказать, что очень грамотно продумана программа: акцент был сделан на романтизм и импрессионизм, в наибольшем количестве были представленные сочинения Дебюсси, Листа и Шопена. Кроме того пьесы расставлены с драматургическим нарастанием, в результате чего концерт, который длился более двух часов, аудитория с огромнейшим интересом слушала с первой до последней минуты.

В этот праздничный вечер все выступавшие подарили море приятных эмоций и впечатлили слушателей своей музыкальностью, чувством целостности формы и владением звука.

Запомнилось выступление Максима Шадько, сыгравшего две прелюдии Дебюсси «Фейерверк» и «Ароматы и звуки в вечернем воздухе реют». Исполнитель очень тонко передал разнообразие тембральной окраски регистров. Следующий артист, выступление которого мало кому удастся забыть, – Марк Сердюк. Сколько разных интонаций он изобразил в фантазиях Брамса, сколько нерешительных вопросов и мощных, иногда дерзких, а иногда грозных ответов на них. Особенно впечатлило оркестровое мышление исполнителя.

Следующее произведение, которое сорвало шквал оваций – «Мефисто-вальс» Ф. Листа в исполнении Андрея Мисика. Номер прозвучал уверенно от первой до последней ноты. Во время его игры поражали сила и мощь, всецелое наполнение зала звучанием рояля.

Ну и конечно какой же вечер романтической музыки без русского мэтра Петра Ильича Чайковского, входящего в десятку лучших мелодистов мира. Три пьесы из цикла «Времена года» («Январь», «Май», «Ноябрь») Павел Чернявский исполнил со всей широтой и красочностью, присущей музыке этого композитора.

Эпилогом ко всему стало выступление ансамбля пианистов в составе Игоря Седюка и Олега Копелюка, сыгравших Патетический концерт Листа. Несмотря на всю сложность произведения, пианисты удерживали баланс и на протяжении всего выступления очень пластично передавали темы друг другу. Масштаб звучания инструментов достиг апофеоза.

Игра каждого из выступающих заслуживает наивысшей оценки, как и тот громадный труд, который вложила в своих воспитанников Татьяна Борисовна. Творческое вдохновение исполнителей создало неимоверно позитивную атмосферу вечера. Наивысшей похвалой стали аплодисменты, которые продолжались до тех пор, пока выступающие не покинули сцену.

Феерия фортепианной музыки

Поистине праздничным стал концерт студентов класса народной артистки Украины, профессора, кандидата искусствоведения Татьяны Борисовны Веркиной, который состоялся 7 октября в Большом зале Харьковского Национального университета искусств им. Котляревского в рамках XVIII Международного фестиваля «Харьковские ассамблеи».
В двухчасовом концерте приняли участие студенты всех курсов: Алексей Волик, Максим Шадько, Ольга Макухина , Александр Ярецкий, Мариам Дадашьян, Екатерина Замлелая, Марк Сердюк, Андрей Мисик, Антон Коршаков, Олег Копелюк, Игорь Седюк, выпускники класса Максим Лавров, Валентин Смолянинов, а также ассистенты-стажеры Олеся Пупина, Павел Чернявский и Дмитрий Дзюбак.
Концертную программу, отличавшуюся жанровым и стилистическим разнообразием, открыл студент I курса Алексей Волик, выразительным исполнением первой части Фантазии Р. Шумана сразу задавший хороший тон.

Центром музыкального вечера стала гениальная музыка композитора эпохи романтизма Ф. Листа, юбилей которого в нынешнем году отмечает мировая музыкальная общественность. В исполнении студента V курса Андрея Мисика удачно прозвучало сложнейшее произведение Ф. Листа- «Мефисто-вальс». В темпераментном, артистичном исполнении ассистента-стажера первого года обучения Олеси Пупиной вихрем пронесся народный итальянский танец «Тарантелла» из цикла «Венеция и Неаполь» Ф. Листа. В «Патетическом концерте» того же автора органично дополнили друг друга в фортепианном дуэте Олег Копелюк и Игорь Седюк. Ребята воссоздали чарующий мир романтически-возвышенных чувств и бурных переживаний, убедительно передали тон вдохновенного высказывания, особую атмосферу, присущую «золотому веку» фортепианного искусства.
С теми исполнителями, которым посчастливилось играть задушевные, лирически-проникновенные миниатюры, публика благодарно, затаив дыхание в удивительной тишине, выслушивая каждую паузу, внимала звукам музыки и проживала радостные теплые моменты. Такими минутами отдохновения, покоя, тишины стали две «Песни без слов» Ф. Мендельсона в проникновенном исполнении студентки II курса Ольги Макухиной.

Ни на секунду не отпускал внимания слушателей ассистент-стажер второго года обучения Павел Чернявский, который сыграл три пьесы П. И. Чайковского из цикла «Времена года».

В концерте были представлены и сочинения композиторов-импрессионистов. В исполнении студента I курса Максима Шадько по-новому прозвучали две прелюдии К. Дебюсси. Максим с изысканным трепетом исполнил «Звуки и ароматы реют в вечернем воздухе» и раскрыл разнообразнейшую палитру красок и тембров в «Фейерверке» так, что легко можно было представить искрящееся праздничными огнями вечернее небо. Сквозь призму собственного восприятия студент V курса Антон Коршаков преподнес затаенную прелюдию «Шаги на снегу» и порывистую миниатюру «Ветер над равнинами» К. Дебюсси.

Переливаясь и журча под пальцами студентки IV курса Екатерины Замлелой, прозвучала «Ундина» М. Равеля из цикла «Гаспар из тьмы». Французскую музыку ХIХ в. не так часто можно услышать на современной академической эстраде, поэтому слушательская аудитория смогла почувствовать ее особую прелесть. Хочется подчеркнуть, что для исполнения такой изысканной и утонченной музыки пианистам необходимо обладать тонким вкусом, чувством меры и особым обаянием.
Ярким контрастом к предыдущему блоку явилось исполнение ассистентом-стажером третьего года обучения Дмитрием Дзюбаком Интермеццо ор. 119 немецкого композитора постромантизма И. Брамса. \

В трех Фантазиях ор. 116 И. Брамса, исполненных студентом III курса Марком Сердюком, рояль звучал объемно и роскошно. Своеобразной эмоциональной разрядкой воспринимались три пьесы из цикла «Пестрые листки» Р. Шумана в исполнении студентки IV курса Мариам Дадашян, которой удалось передать задушевность и теплоту высказывания.
Музыка Ф. Шопена достойно прозвучала в исполнении Максима Лаврова (первая часть b-moll ой Сонаты) и студента III курса Александра Ярецкого («Баркарола»).
Убедительно, эффектно интерпретировал финал Четвертой Сонаты классика современности, русского композитора С. Прокофьева Валентин Смолянинов.
Несмотря на различие ярких индивидуальностей, многообразие пианистического материала, общим, скрепляющим моментом для всех явилось очень красивое, насыщенное, наполненное звучание рояля ”Blutner”.
Ребята хорошо себя проявили и выложились на полную мощь. Такая отдача не могла не вызвать восторженную реакцию зала. Игра музыкантов вызвала у слушателей горячий, радушный прием. Каждого выступающего молодого артиста публика принимала бурными аплодисментами, вызывая на поклон дважды. После заключительного номера программы на сцену вышли все участники концерта со своим педагогом. Аплодисменты долго не умолкали – слушатели стоя приветствовали артистов.
Молодые музыканты продемонстрировали не только высочайший уровень технического мастерства. Их игра была отмечена интересными (образными) художественными решениями. Солистам прекрасно удалось реализовать задуманное, успешно продемонстрировать свои возможности.
Всех учеников Татьяны Борисовны, очень разных по характеру, обьединяет безусловная музыкальная одарённость, колоссальная работоспособность, постоянное стремление к самосовершенствованию, высокий творческий потенциал. Все студенты являются лауреатами национальных и международных конкурсов. Т. Б. Веркина оказывает огромное влияние на формирование личности каждого из студентов, в то же время бережно сохраняет их индивидуальность, пытается раскрыть в полной мере их способности. Под руководством Татьяны Борисовны молодые музыканты постигают тонкости профессии пианиста, секреты исполнительного мастерства. Педагог постоянно поддерживает своих воспитанников во всех их творческих начинаниях, даёт нужный настрой, укрепляет боевой дух, направляет, вдохновляет на новые творческие свершения.
Студенты, выпускники, ассистенты класса Татьяны Веркиной в очередной раз порадовали слушателей своими выступлениями и доказали, что они способны продолжить и укрепить прекрасные традиции харьковской фортепианной школы, возродить её былую славу.

Вечер виолончельной музыки: «Бетховен приглашает…»

6 октября 2011 года в концертном зале филармонии в рамках международного музыкального фестиваля «Харьковские ассамблеи» состоялся вечер виолончельной музыки: «Бетховен приглашает…».
В концерте прозвучали пять гениальных сонат Бетховена для виолончели и фортепиано. В Харькове эти произведения уже исполнялись ранее, 20 и 10 лет назад, в составе таких дуэтов: Черканов – Волкова и Веркина – Гавриш. В этот вечер сонаты прозвучали в исполнении учеников профессора кафедры струнных инструментов ХНУМ им. И.П. Котляревского Елены Щелкановцевой, которая выступила с небольшим вступительным словом о Л. ван Бетховене и о его пяти выдающихся шедеврах, написание которых совпадает с основными этапами эволюции стиля композитора.
Концерт открыли первые две сонаты F-dur и g-moll ор. 5, написанные в ранний период творчества композитора, посвященные прусскому королю Фридриху Вильгельму ІІ (исполнили Екатерина Бурлуцкая и Алексей Шардин – виолончель, Станислав Калинин-фортепиано).
Центральной в концерте и рубежной в жизни и творчестве Бетховена стала соната A-dur ор. 69, посвященная другу композитора барону фон Глейхенштейну (исполнили Владимир Федоров и Евгения Присяжная). Две последние сонаты C-dur и D-dur ор. 102, написанные в тяжелый для Бетховена 1815 год и посвященные графине Марии Эрдёди исполнялись дуэтами Юлия Петрушенко и Станислав Калинин, Виктория Кравец и Евгения Присяжная.

6 октября. «Фестивали – мощное средство создания имиджа»
(интервью с дирижером, народным артистом России Дмитрием Лиссом)

Дмитрий Лисс, некогда выпускник ХССШИ по классу кларнета, теории и истории музыки, ныне – выдающийся дирижер, работающий с исполнительскими коллективами всего мира, главный дирижёр Уральского академического филармонического оркестра, сейчас стоящего в ряду со столичными оркестрами России, активный участник жизни фестивалей. Дмитрий Ильич Лисс приехал в Харьков, чтобы принять участие в концерте, посвященном юбилею Валерия Николаевича Алтухова, его учителя, который пройдет 6 октября в зале харьковской десятилетки. состоится концерт, посвященный юбилею Валерия Николаевича Алтухова.
В преддверие концерта, несмотря на плотный график репетиций с оркестром, нам удалось побеседовать с мастером.
Е. Л.: Вы работаете со многими выдающимися оркестровыми коллективами всего мира. Как вы оцениваете оркестр «Слобожанский»?
Дмитрий Лисс: «Слобожанский» – оркестр, в общем-то, молодежный, студенческий и насколько мне известно, и у ребят сейчас нет главного дирижера нужен человек. Они работают с разными дирижерами, с приглашенными. Это, конечно, полезный опыт. Но, поскольку это люди в процессе творческого становления, им нужен постоянный человек, который будет устанавливать правила игры. Как и в любом молодежном оркестре, привлекает азарт, желание играть и многие вещи получаются очень хорошо, что-то не получается, но это естественно, особенно учитывая непростую ситуацию, в которой находится искусство в современном мире, и в Харькове, в частности.
Е. Л.: Какие качества необходимы дирижеру сегодня, чтобы стать успешным?
Д. Л.: Дирижирование – такая специальность, где помимо того, что называют профессионализмом, музыкальной одаренности, дирижерской техники, есть огромное количество составляющих, к которым относится, возможно, в первую очередь, личность человека, его, его умение находить общий язык с людьми и вести их за собой, умение общаться с представителями прессы, формировать вокруг оркестра общественное мнение и общественный интерес. Однако, обладание всеми этими качествами – еще не гарантия успеха. Бывает, что просто не складывается жизнь. Нужна еще удача и терпение, умение не упустить свой шанс, всегда быть готовым к улыбке судьбы. Дирижер – это тяжелая профессия.
Е. Л.: Кого вы считаете наиболее выдающимися мастерами современности?
Д. Л.: Я здесь не буду оригинальным. Если говорить о ХХ веке, нашей стране, я имею в виду бывший Советский Союз, то это, несомненно, такие мэтры как Светланов, Мравинский, Натан Рахман, интереснейший дирижер, который работал и в Харькове, Китаенко, Тимерканов, Леонард Бернастайн.
Е. Л.: Как вы сами пришли к профессии дирижера?
Д. Л.: Мне очень помог Валерий Николаевич Алтухов, который меня подталкивал в эту сторону, то есть я уже со школы был ориентирован на эту профессию. Мне очень повезло, причем втройне: я сразу поступил в Московскую консерваторию на дирижерский факультет, попал в класс замечательного педагога Дмитрия Георгиевича Китаенко, поработал его ассистентом. Мне всю жизнь везло.
Хотя, это зависит от того, с какой стороны посмотреть. Для кого-то двенадцать лет в Сибири – это пытка. Мне же эти годы дали очень много в плане профессионализма. Уже 17-й год я работаю на Урале. Если поначалу на нас смотрели как на выскочек, то сегодня ставят в один ряд со столичными коллективами, относятся с огромным уважением, причем не только в России, но и за рубежом. Это уникальная ситуация. Буквально только что оркестром продирижировал Гергиев в Мариинском театре, который за пульт других оркестров не становится. Я наблюдаю свидетельство признания и уважения к нашей деятельности. И это огромное счастье: видеть плоды своей работы, видеть, что эта деятельность приносит результат творческий и материальный, что музыканты сейчас с уважением относятся к себе, они хорошо обеспечены и могут думать, прежде всего, о музыке.
Е. Л.: Вы отметили, что Валерий Алтухов Вас «подталкивал» к дирижерской деятельности. Как Вы можете оценить ту роль, которую он сыграл в Вашей судьбе?
Д. Л.: Очень большую роль. Я ведь был достаточно успешным кларнетистом, и, как говорит Валерий Николаевич, первым учеником, который добился каких-то успехов в игре на кларнете. И только вот с годами понимаю, каким надо мужеством педагогу обладать и мудростью, чтобы сказать своему ученику, который мог и дальше быть кларнетистом, что он должен заняться дирижированием, то есть, в каком-то смысле, перечеркнуть свою работу. Он воспитал во мне не только кларнетиста, но музыканта.
Е. Л.: Как Вам удалось найти «окно» в Вашем интенсивном рабочем и гастрольном графике и приехать на фестиваль в Харьков?
Д. Л.: Вы знаете, это святое. Я пообещал Валерию Николаевичу несколько лет назад, что я приеду и я буквально «зубами» держал этот период и никому его не отдавал. Это мой долг. Если бы я не приехал, я бы перестал себя уважать.
Е. Л.: Удалось ли Вам побывать на каких-либо из мероприятий «Харьковских ассамблей»?
Д. Л.: Увы, нет. Представьте себе мой график: у меня только что закончился большой фестиваль в Екатеринбурге, при участии 25 стран, где помимо нашего, было еще три оркестра из-за границы. За сентябрь я продирижировал 8 программ, две мировых премьеры, три российских премьеры, в добавок ко всему пережил запись компакт-диска и поездку в Петербург с оркестром.
Е. Л.: Вы закончили десятилетку в 1979 году и покинули Харьков. Как вы считаете, что изменилось в музыкальной жизни города за это время?
Д. Л.: Во-первых, я неоднократно возвращался, дирижировал и каждый раз заходил в десятилетку. Во-вторых, конечно, ситуация значительно изменилась. С одной стороны, Харьков стал более открытым городом, стал приглашать к себе зарубежных звезд. С другой – меня радуют те успехи, которых добиваются наши музыканты на международной арене. Очень приятно, когда в Париже моим солистом оказывается Валера Соколов, а в шведском городе концертмейстером группы фаготов – выпускник нашей школы, харьковчанин. Жаль, насколько я понимаю, что ситуация музыканта в Харькове находится не в лучшем музыкальном положении. Однако, наблюдая те процессы, которые происходят в России и в Украине, я предполагаю, что между ними есть какой-то временной зазор. Может в России это началось раньше, но сейчас жизнь музыканта в России улучшается. Мы стали одним из первых коллективов, который стал соревноваться со столичными оркестрами по уровню обеспеченности. А за нами пошли другие. Я очень надеюсь, что то же самое произойдет в Украине.
Е. Л.: «Харьковским ассамблеям» уже 20 лет. Что бы вы пожелали нашему фестивалю?
Д. Л.: Я очень поддерживаю любые культурные начинания. Я бы пожелал фестивалю удачи, развития и хорошего финансирования, настоящего финансирования.
Е. Л.: Как вы думаете, какова роль «Харьковских ассамблей» для нашего города?
Д. Л.: Сейчас очень многие начали понимать, насколько важно искусство, и у нас это поняли. Я приведу пример. Скажем, Пермь делает ставку на искусство как на то, что «вытащит» город, привлечет иностранных партнеров. На искусство в бюджете области идет 6 % – это беспрецедентная цифра в России. И путешествуя за рубежом, мы убеждаемся, что подобная «ставка на искусство» работает. Примером тому – фестиваль «Сумасшедшая неделя», который из локального, проводившегося в городе Нант (Франция), стал «выездным» и собирает в Токио миллион посетителей.

Для чего нужны фестивали? Если мы хотим, чтобы к нам шли инвестиции, чтобы к нам относились не свысока, а с уважением, как к равноправным партнерам, то фестивали – это мощное средство создания имиджа территории.

Разнообразные традиции сопровождают на протяжении многих лет международный музыкальный фестиваль «Харьковские ассамблеи». Одна из них – это вечер, посвященный современным деятелям культуры. Фестиваль этого года не стал исключением и один из концертов организаторы приурочили к юбилею заслуженного деятеля искусств Украины, директора Харьковской средней специальной музыкальной школы – Валерия Николаевича Алтухова.
В тот вечер в большом зале Харьковской десятилетки собрались все самые именитые музыканты города. Пришли поздравить с юбилеем нынешнего директора бывшие выпускники знаменитого учебного заведения: народная артистка Украины Татьяна Веркина и заслуженный деятель искусств Украины Юрий Янко.
Воистину шикарным музыкальным подарком для юбиляра стал концерт, в котором прозвучали шедевры классической музыки: симфоническая поэма «Шахерезада» Николая Римского-Корсакова и Концерт для кларнета с оркестром Жана Франсе. Совместно с молодежным академическим оркестром «Слобожанский», большинство участников которого также выпускники Харьковской десятилетки, выступили двое лучших учеников класса Валерия Алтухова. В исполнении лауреата международных конкурсов, выпускника Харьковского национального университета искусств им. И.П. Котляревского Леонида Попова прозвучал Концерт для кларнета с оркестром Жана Франсе. Яркая, солнечная музыка, наполненная джазовыми ритмами как нельзя кстати подчеркивала праздничность этого вечера. За дирижерским пультом в праздничный вечер стоял знаменитый музыкант, также выпускник класса Валерия Алтухова – народный артист России Дмитрий Лисс. Его напряженная работа с оркестром в течении нескольких репетиционных дней позволила «Слобожанскому» блистательно исполнить сложнейшую симфоническую поэму «Шехеразада».

Сбывшиеся и пока не сбывшиеся мечты Валерия Алтухова

5 октября. Фортепианная музыка. Совместный концерт студентов кафедры специального фортепиано ХНУИ и учеников ХССМШи

5 октября в Большом зале в рамках «Харьковских ассамблей» традиционно прошел концерт молодых пианистов. Одной из задач таких концертов является предоставление возможности молодому музыканту показать себя, проявить свое умение и мастерство на сцене, конечно же, не исключая огромной заслуги педагога. По давней традиции, на концертах брали участие ребята из ХССМШи, а также студенты ХНУИ им. И. П. Котляревского, лауреаты и дипломаты международных конкурсов. Большим сюрпризом для всех стало последнее выступление хора, в состав которого входили пианисты, музыковеды и композиторы университета искусств. Исполнялись произведения различных эпох и жанров – Гайдна, Моцарта, современных авторов. Произведения романтиков заняли ведущее место в репертуаре концерта: Шуман, Шуберт, Шопен, обилие сочинений Листа, Рахманинова (XIX-XX в), что свидетельствует о желании не в последнюю очередь демонстрировать виртуозность исполнения. Среди композиторов XX века был представлен Прокофьев, Скорик, Косенко. Концерт продолжался три часа, однако смена «действующих лиц», огромное разнообразие стилевых особенностей произведений и жанров не давали слушателю утомиться.
Возраст исполнителей был самый разный. Особенно впечатлило выступление совсем юной пианистки (2-3кл.) из ХССМШ-и, которая исполнила «Шуточную пьесу» Скорика. Произведение прозвучало настолько эффектно, в характере, что сложно было поверить в возраст исполнительницы.

В целом все ребята из ХССМШ-и играли превосходно.. Ярко прозвучало «Испанский каприз» Мошковского в исполнении студентки Марины Королевой (класс профессора Н. В. Горецкой).

Прекрасно играли и другие студенты ХНУИ. Особенно запомнились выступления Наталии Костогрыз с первой частью До-мажорной сонаты Моцарта, Марии Оболенской, исполнявшей сонату F-dur Й. Гайдна

Ярко была исполнена Соната для двух фортепиано В. Моцарта (ансамбль студентов магистратуры Игоря Седюка и Олега Копелюка).

Заключительным номером концерта прозвучал хор под руководством Д. Дорошенко. Пианисты (теперь уже в роли вокалистов) исполнили несколько произведений, в том числе «Ave verum» Моцарта, «Тебе Бога хвалим» Бортнянского.

В целом концерт впечатлил своим разнообразным репертуаром и блестящим исполнением произведений. Действительно, можно по праву гордиться тем, что ни в одном другом городе нет фестиваля классической музыки, подобно „Харьковским ассамблеям”!

5 октября. Концертный зал филармонии. Опера «Моцарт и Сальери» Н. А. Римского-Корсакова в концертном исполнении.

Одним из ярких событий фестиваля стала постановка, пожалуй, самой необычной оперы Николая Римского-Корсакова – «Моцарт и Сальери», написанной на текст маленькой трагедии Александра Пушкина. В своем, как и всегда, содержательном и захватывающем вступительном слове, музыковед Наталья Антонова кратко коснулась истории создания оперы, и происхождения легенды о Моцарте и Сальери. Позволю себе повторить некоторые сведения, почерпнутые из рассказа ведущей. Созданная в 1897 году, в промежутке между двумя монументальными полотнами – «Садко» и «Царской невестой» - эта камерная опера, рассчитанная всего на двух исполнителей, воспринимается как своего рода интермеццо. Но неверно было бы оценивать ее как сочинение проходящее, эпизодическое. То, что за годы своего существования это замечательное произведение не получило заслуженного признания, во многом связано с тем, что его стремятся слушать на большой оперной сцене. При этом слушатель почти всегда испытывает разочарование от отсутствия оперно-театральных эффектов, тогда как эта опера производит гораздо большее впечатление в камерной – если не сказать, домашней – обстановке. В этом смысле заслуживают внимания слова самого композитора: «Не есть ли "Моцарт" просто камерная музыка, способная производить впечатление в комнате с фортепиано, без всякой сцены и теряющая свое обаяние на большой сцене. Может быть, и инструментовать-то его вовсе не следовало; по крайней мере, это мне много раз приходило в голову». И вот уже второй раз харьковская публика смогла услышать и увидеть маленький шедевр Николая Римского-Корсакова именно в камерном исполнении, за которое ратовал сам композитор.

Необходимо особо отметить, что постановка эта для нашего города поистине уникальна: опера впервые была исполнена осенью прошлого года тем же звездным составом исполнителей. Но вчерашний спектакль смело можно назвать премьерой, ведь выход на сцену таких артистов, как Игорь Сахно (Сальери), Александр Бондарчук (Моцарт) и Елена Ровная (партия фортепиано) всегда становится для публики настоящим открытием. Вот и на этот раз исполнителям удалось оживить на сцене образы бессмертной трагедии настолько убедительно, что происходящее на подмостках действо в определенный момент перестало восприниматься как спектакль, и слушатели были полностью погружены в разворачивающуюся на их глазах драму зависти обыкновенного, земного таланта к Небесному Гению.

Центральным героем оперы Римского-Корсакова и трагедии Пушкина является, несомненно, Сальери. Драма полной противоречий личности героя постоянно находится в центре внимания и поэта и композитора. Партия Сальери была исполнена Игорем Сахно с такой силой актерского мастерства, каждое слово, каждый жест, взгляд, каждая нота были настолько выразительны и глубоки, что образ Сальери приобрел потрясающую трагедийную мощь и непререкаемую философскую значительность. Исполнитель партии Моцарта Александр Бондарчук в очередной раз продемонстрировал тонкую музыкальность, прекрасное владение голосом и глубокое понимание драматургического замысла композитора, что помогло ему прекрасно воссоздать на сцене образ «гуляки праздного». Воистину полноправным героем спектакля стал рояль. Под чуткими пальцами Елены Ровной он приобретал то оркестровое, то клавесинное звучание, в зависимости от сценической ситуации, то поддерживал певцов, то раскрывал скрытый подтекст их слов, передавая тончайшие нюансы чувств и переживаний.

Невозможно не остановиться на одном из самых напряженных моментов оперы, ее ярчайшей драматической кульминации. Это краткий эпизод, следующий после сцены отравления. Моцарт исполняет Сальери отрывок из только что написанного им Реквиема. И внезапно за сценой сначала тихо на pianissimo, затем все громче и громче звучит хор, исполняющий начальные строки траурной мессы. Камерный хор филармонии под управлением Андрея Сиротенко исполнил эти несколько тактов настолько проникновенно, что на глаза у большинства зрителей навернулись слезы.

Как только отзвучала последняя нота рояля, слушатели разразились бурными овациями и криками «Браво!», стоя приветствуя артистов. Это стало достойным завершением великолепного действа.

Тимоти Рейниш, Грэхем Скотт, Молодежный академический симфонический оркестр «Слобожанский»

Музыка Моцарта, ставшая лейтмотивом фестиваля, сегодня зазвучала в Большом зале Харьковского университета искусств.

Открыла концерт Серенада Es-dur для 8 духовых, в завершении прозвучала Симфония № 40 g-moll, но настоящей кульминацией вечера стал Клавирный концерт С-dur, объединивший творческие усилия двух мастеров из Великобритании – дирижера Тимоти Рейниша, который открывал ассамблеи, и пианиста Грэхема Скотта, чей сольный концерт, а также мастер-класс прошли 2 и 3 октября.

Грэхем Скотт очаровал публику «обаятельным» исполнением Моцарта. Легкость, непринужденность игры сочеталась с юмором. Тема побочной партии первой части концерта С-dur, с интонацией малой секунды, казалась удивительно близкой главной теме I части Симфонии № 40. И мистер Скотт не преминул этим воспользоваться. В блистательной каденции первой части концерта, сочиненной им самим, зазвучала и тема Cимфонии g-moll, гармонично вплетаясь в интонационное развитие основных тем.

Необычным было начало вечера. Тимоти Рейниш, дирижирующий Серенадой, казалось, почувствовал то ли напряжение аудитории, то ли музыкантов, и потому решил разрядить атмосферу, обратившись к публике. Перед первой частью он поинтересовался, кому знакомо это произведение, а перед вторым Менуэтом авторитетно заявил: «You should all be drinking beer and eating sausages!», чем немало развеселил слушателей и сгладил впечатление от несколько нестройных унисонов и аккордов, извлекаемых октетом.

Музыканты «Слобожанского» во время фестиваля работают в напряженном графике: сегодня днем у них репетиция «Шехерезады» с российским дирижером Дмитрием Лисом, вечером они играют с Тимоти Рейнишем концерт и симфонию Моцарта. Нужно обладать очень высокой мобильностью и выносливостью, чтобы выдержать этот ритм и подстраиваться под меняющихся дирижеров, солистов. Однако, фестиваль учит не только этому. Пожалуй, следует обратить внимание и брать пример с мастеров, которые вне зависимости от напряженности работы, получают удовольствие от общения с музыкой, от совместной игры, что было сегодня было очевидно для публики и в выступлении Грэхема Скотта, и Тимоти Рейниша.

Мастер-класс британского пианиста Грэхема Скотта

Знакомство с Грэхемом Скоттом для харьковских слушателей уже состоялось: в воскресенье прошел первый его сольный концерт в рамках "Харьковских ассамблей", следующее выступление с Молодежным симфоническим оркестром запланировано на 4 октября. Но трехчасовой мастер-класс фортепианной игры стал настоящим подарком для харьковских пианистов.
Лауреат Международных конкурсов, глава фортепианного департамента Королевского северного музыкального колледжа, Грэхем Скотт одновременно является учеником польского пианиста Р. Бакста, победителя конкурса им. Ф. Шопена в 1955 году. Учителем последнего был Г. Нейгауз, работа "Искусство фортепианной игры" которого, знакомая нашим пианистам не понаслышке, стала одной из любимых книг Грэхема Скотта, привлекая подходом к трактовке инструмента и педагогическими приемами. Поэтому не случайно в игре пианиста ощущаются славянские черты. "Я сразу услышала в Вашем исполнении что-то близкое, родное", - отмечает профессор Татьяна Веркина, студенты которой принимали участие в мастер-классе.
Программа пианистов состояла исключительно из романтических произведений. Марк Сердюк (III курс) исполнил I - III фантазии И. Брамса op. 116; Валентин Смолянинов (магистр, выпускник) представил I и II части Сонаты № 3 h-moll op. 58 Ф. Шопена; Татьяна Ковалева (IV курс) - две песни Ф. Шуберта в транскрипции Ф. Листа "Гретхен за прялкой" и "Утренняя серенада"; Андрей Мисик (V курс) - Мефисто-вальс Ф. Листа.
"The piano should be your friend"."Физиологические взаимоотношения" с инструментом - один из ключевых компонентов исполнения, которому Грэхем Скотт уделил существенное внимание, и который, для наших пианистов осознается пока только на интуитивном уровне. "Исполнители на духовых, струнных, держат свой инструмент, - отмечает Грэхем Скотт, - поэтому у них устанавливается естественный и очень близкий контакт с ним. С роялем сложнее - он немного великоват для того, чтобы его обнять". Тем не менее, залогом успешного исполнения пианиста является комфорт, свобода во взаимоотношениях с фортепиано. Не должно возникать физического напряжения, порождающего напряженность, неестественность звучания "Помните, фортепиано - это ваш друг".
"Never think in blocks, only in shape". Мыслить не блоками, тактами, а фразами, движениями, не дробить структуры - рекомендация, знакомая нашим исполнителям. Мистер Скотт также подчеркнул необходимость поиска смысловых, опорных точек в движении, которые соответствуют логике музыкальной мысли.
"Music logic is built on the sense of growth". "Человек - это существо, которое в отличие от других животных постоянно думает о будущем, тогда как кошка живет мгновением". Точно так же и в музыке. Мы воспринимаем ее как нечто, развивающееся во времени, поэтому должны постоянно сохранять ощущение "роста" в том, что мы делаем в музыкальном произведении.
"Intensity is like a light, it shouldn't be switched on all the time". Отмечая превосходное и естественное ощущение напряжения, необходимое для исполнения И. Брамса у М. Сердюка, мистер Грэхем в то же время отметил, что им необходимо уметь пользоваться. Иногда нужно отпускать напряжение. Это подобно свету - он не должен быть включенным постоянно. Если средний раздел будет спокойным, тогда взволнованность крайних частей прозвучит ярче. То же касается и динамики, она относительна. Чем тише piano, тем громче покажется forte.
Кроме того, динамика никогда не должна, по мнению пианиста, восприниматься изолированно от характера музыки. В maestoso это одно forte, в agitato - совершенно другое. Piano - это не просто тихо, это может быть выражением интимности высказывания.
"Never play a long note short". Правило выдерживать паузы и дослушивать долгие звуки, пожалуй, знакомо всем пианистам и подчеркивание его в очередной раз, что внимание к деталям - одно из важных качеств хорошего исполнения.
Существенным в исполнении всех произведений, но в наибольшей степени сонаты Ф. Шопена для Г. Скотта было прикосновение. "Оно не должно быть одинаковым от начала до конца. Шопен требует смен прикосновения, и нужно посвятить определенное время, чтобы найти соответствующие приемы".
Каждому из студентов Грэхем Скотт, чья любовь к музыке, исполнению и преподавательской работе была очевидна для всех присутствующих в зале, дал индивидуальные рекомендации пианистам, отметил сильные стороны игры, поделился позитивной энергетикой и зарядил импульсом для их дальнейшей творческой работы.

Грэхем Скотт, Валентин Смолянинов, Андрей Мисик

2 октября. Две встречи с Грэхемом Скоттом

Одна, как и полагается на музыкальных ассамблеях, была связана с музыкой. На сцену (в вечернем концерте 2 октября) легко взбежал пианист, быстро поклонился (фотокамера даже не успела его зафиксировать), сел за рояль и сразу погрузил слушателей в мир бетховенской сонаты. Затем были исполнены пьеса «Абсент», в которой композитор Адам ГОРБ пытался запечатлеть галлюциногенный эффект этого напитка, Девятая соната Скрябина «Черная месса» и Вариации на тему Корелли С. Рахманинова. Исполнитель демонстрировал разнообразие динамических и эмоциональных оттенков и одновременно – умение добиваться результата достаточно скупыми средствами. Под его пальцами создавалось так любимое мною ощущение того, что музыка рождается здесь и сейчас, что не столько играется Текст, сколько слышен пульс Жизни, краски звуков, красота ритмов. Даже не могу определить, что же из услышанного мне понравилось больше всего…Но, наверное, особая благодарность английскому пианисту за сонату Скрябина и мастерскую звукопись «Абсента».

Кстати, именно с этого и началась вторая Встреча – когда мы общались в жанре интервью.
- Мистер Скотт, во-первых, хочу поблагодарить за то впечатление, которое осталось после Вашего концерта и первый вопрос: Вы играли пьесу под названием «Абсент», а с каким бы напитком Вы бы сравнили Моцарта, которому посвящены нынешние Ассамблеи? Или, возможно у Вас есть другие, тактильные ассоциации, ощущения?
Грэхем Скотт: - О, (удивленно поднимает брови), мне никто не задавал такого вопроса! Например, Штраус у меня ассоциируется с бюргерством и баварским пивом, Лист – с фонтанами, переливами, Бах всегда связан с религиозными ощущениями. А с Моцартом сложнее. Мне кажется, это очень гуманный, «жизненный» композитор, он обращен к людям, он писал для людей, для мужчин, женщин. Какой-то определенной ассоциацией его сложно описать.
- Хорошо, тогда перейдем к более традиционным вопросам. Вас заинтересовала идея наших музыкантских Ассамблей?

- Считаю, что особенно для музыки это крайне важно, ведь музыка – универсальный язык. Когда музыканты съезжаются, собираются вместе, это идет ей только на благо.
- Было ли что-то было новое в Ваших ощущениях зала, публики? Почувствовали ли Вы на концерте отдачу?

- У меня прекрасные ощущения. Очень понравилось, что слушатели были очень сосредоточены, в зале стояла удивительная тишина. Может быть потому, что звучала музыка была очень эмоциональная, а эмоции способствуют объединению. Да, люди слушали, но, что для меня более важно – меня понимали. Хотя этому взаимопониманию я не удивлен, это вообще в традициях Восточной Европы.
- Вы не в первый раз в Украине, были в жюри международного конкурса им. Горовица. Приходилось ли Вам на мастер-классах встречаться с украинскими студентами?
- Так получилось, что до этого года я никогда не был в Украине, зато в Манчестере занимаюсь с пятью украинскими студентами. Но в этом году это уже мой третий приезд. В Харькове состоялся мой первый концерт в Украине.
- У Вас есть записи с произведениями Скрябина, Рахманинова, Гершвина, Брамса. Вы играете джаз?

- Да, я немного играю джаз, но не на публике. А вот импровизация как таковая очень важна. И, кстати, каденцию, которую я буду играть в концерте Моцарта (концерт с Молодежным симфоническим оркестром «Слобожанский», дирижер Тимоти Рейниш), я сочинил сам. Всегда, когда ты играешь концерт Моцарта, ты в нем так или иначе импровизируешь (имею ввиду каденцию). В свою каденцию, например, я вставил элементы 40 симфонии.
- Предваряя Ваши мастер-классы с нашими студентами разрешите задать такой вопрос: в чем должен состоять результат мастер-класса? Реально ли что-то изменить за 20-30 минут?
- Мастер-класс – это хороший способ увидеть индивидуальность исполнителя за короткое время. Иногда хочешь показать какие-то практические приемы, но физически по времени действительно этого не успеваешь. Но в остальном можно составить довольно целостную картину об исполнителе, который перед тобой. В принципе, основная идея мастер-классов, на мой взгляд, в том, чтобы показать и помочь осознать форму, общую структуру и, по-возможности, поработать над мелкими деталями. Если студент готов это воспринять, то в принципе, это возможно.
- Есть два вида мастер-классов: можно давать его по одному крупному произведению и тогда на мастер-класс приходят те, кто его играет (так часто поступают в Европе). Второй вид – работать над тем, с чем приходят студенты. Какой бы Вы предпочли, если бы был выбор?
- Конечно, лучше работать над произведениями, которые мне известны. У меня достаточно обширный репертуар, есть свои специфические подходы. Есть пианисты, которые принципиально не играют тех или иных композиторов. Например, А. Брендл, П. Тонакл принципиально не играют Шопена. Я понимаю это, ведь язык Шопена принципиально отличается от музыкального языка Моцарта и Бетховена, на котором они привыкли «говорить» в музыке. В Польше в ходу такая шутка: есть два типа пианистов – те, которые играют Шопена и другие.
- А есть ли подобная шутка в Англии?

- Нет, такого нет, но я думаю, что это не так плохо, потому что у английских исполнителей нет стандартов, стереотипов восприятия. Кстати, несколько англичан были лауреатами конкурса им. Чайковского, а французские, итальянские музыканты ни разу ими не становились.
Кстати, приведу такую параллель. В Англии огромное количество разновидностей вин, наверное, есть все, какие только известны во всем мире. Но в самой Великобритании производится мало вина. Вот как с вином, так и с композиторами. У нас написано не так м ного хорошей музыки, но при этом совершенно непредвзятое отношение к любой музыке и множество хороших музыкантов.
- Если бы Вам представилась возможность прочесть лекцию, о чем Вы хотели бы поведать студентам? Какую бы тему избрали?

- О чем? (задумывается) Наверное, мне было бы интересно обсудить проблему музыкальной психологии. Вообще, это сложный вопрос. Я не теоретик, а практик, и лекция была бы основана на исполнении и говорилось бы об исполнении. Возможно, еще я говорил бы о Скрябине или о чем-то новом, чего еще не касались. Не думаю, что я привнес бы что-то в тему о Бетховене, слишком многое уже сказано и написано. А вот о Скрябине – это было бы интересно.
- Журнал Gramophone написал, что Вы – «исключительный талант». Как Вы относитесь к подобным высказыванием и вообще – к музыкальной критике?
- Это хороший вопрос (смеется). Когда ты молод – такие слова влияют на тебя весьма положительно, тебе это нравится. Любая критика, когда ты молод, способна окрылись или наоборот (если что-то критическое высказано) – угнетать. Сейчас я отношусь к критике более нейтрально. Я читаю, что обо мне пишут. И если статьи содержат критику, я думаю об этом. Иногда бываю согласен, а иногда - нет. Всю жизнь мы учимся, но парадокс в том, что когда мы студенты – мы учимся учить, а когда становимся учителями – учимся сами.

2 октября. Творческая встреча с профессором НМАУ им. П. И. Чайковского М. Р. Черкашиной

Профессор Марина Романовна Черкашина, являясь постоянным и желанным гостем Харьковского университета искусств, и, как призналась Татьяна Борисовна Веркина, ее любимым учителем, из года в год делится с харьковчанами собственными творческими находками, музыкальными впечатлениями, однако сегодняшнее событие во многом было особенным.
Будучи специалистом в области музыкального театра, Марина Романовна придала своей творческой встрече характер оригинального «синтетического» действа, в котором органично объединились поэзия, музыка и театр.
Значительная часть встречи была посвящена памяти ушедшей из жизни дочери М. Черкашиной Ирины Губаренко (1959-2004) – поэта, композитора, чье наследие сегодня «вернулось» к жизни, будучи озвученным, опубликованным, в стены Харьковского университета искусств, в котором она начинала свой музыкальный путь. Вечер открылся с презентации книги И. Губаренко «Римский роман», подготовленной харьковским издательством «Атос», включающей, помимо «Римского романа», «Четыре времени сна», рассказы и поэтические произведения. Сегодня для харьковчан зазвучал голос Ирины в записи романсов ее собственного исполнения по гитару: «У моей судьбы объятья пахнут ладаном», «Грустноглазый Пьеро», полные трагическим мироощущением. Музыкальным завещанием «Я знаю, точно знаю, все пройдет…».
Для многих слушателей сегодня впервые раскрылся талант Ирины Губаренко как композитора, благодаря озвученным произведениям, малоизвестным харьковской публике до сегодняшнего дня. Пианисткой Ириной Рябчун (Киев) были исполнены органичные по стилю Три прелюдии, созданные Ириной еще во время обучения на I курсе Харьковского университета искусств и сохранившихся, по мнению Марины Романовны, исключительно благодаря тому, что были в свое время переписаны рукой Виталия Губаренко. Сонатина для гобоя и фортепиано И. Губаренко в четырех частях была представлена в тонкой интерпретации Виктории Кареловой и Станислава Калинина.

Станислав Калинин и Виктория Карелова

В исполнении Юлии Успенской (меццо-сопрано) и Ирины Рябчун (фортепиано) прозвучало несколько вокальных произведений, в том числе проникновенный цикл романсов «Заспівайте, сестро» на стихи Л. Киселева, наполненные предчувствие смерти, «Две элегии» В. Сильвестрова на слова И. Губаренко.

Юлия Успенская (меццо-сопрано) Ирина Рябчун (фортепиано)

С новой стороны для публики раскрылась и профессор Марина Романовна, представив на суд слушателей собственные поэтические строки, начав встречу с оды «Дню музыки», приуроченное сегодняшнему празднику, зазвучавшим как своеобразное творческое кредо автора. Музыкальными образами и впечатлениями навеяны «Тебя в твоей музыке слышу», посвященное В. Губаренко, «Аллюзия цитат», написанное под впечатлением от музыки В. Сильвестрова, «Осенние элегии», отклик на «Tabula Rasa» А. Пярта. Друзьям и близким Марина Романовна посвятила «Оду любимым лицам», «Lacrimosa», «Одноклассники», а также «13 февраля», символизирующее день, когда ушла из жизни ее мать, актриса Ю. Фомина, и число, которое В. Губаренко считал магическим для своей жизни и творчества.

Татьяна Веркина поздравляет Марину Романовну Черкашину с Днем учителя и Днем музыки

М. Черкашина призналась, что начала писать в 2000 году в канун трагических событий, произошедших в ее жизни, и В. Губаренко, познакомившись с ее первыми опусами, отнесся к этому довольно скептически, однако творческое увлечение и вдохновение продолжает посещать ее и сегодня, как и музыка, помогая преодолевать прозу будней.
В качестве своеобразного интермеццо творческой встречи послужил греческий «сюжет». В поэтической и визуальной форме поделилась Марина Романовна впечатлениями от путешествий в Грецию, последнее из которых состоялось в мае 2011 года, а Ирина Рябчун, защитившая диссертацию на материале творчества композитора Димитроса Капсоменоса, прокомментировала и исполнила 2 части из его фортепианной сюиты «Критские земли».

1 октября. Концерты в рамках фестиваля «Харьковские Ассамблеи»

Международный День Музыки ознаменовался сразу несколькими событиями в рамках международного музыкального фестиваля «Харьковские Ассамблеи».
Один из концертов состоялся, благодаря поддержке Харьковских Ротари-клубов, которые наградили стипендиями нескольких лучших студентов Харьковского национального университета искусств им. И.П. Котляревского. Татьяна Веркина отметила, что это – первый опыт такой серьезной помощи молодым музыкантам, а президент Ротари-клуба Харькова Ольга Змеевская особенно подчеркнула, что поддерживает начинания университета и идею фестиваля «противление злу искусством» и уверила, что если можно чем-то помочь начинающим музыкантам, это необходимо обязательно сделать.
В концерте выступали трое стипендиатов Ротари-клубов – лауреаты международных конкурсов Алексей Скребцов (кларнет, класс профессора Валерия Алтухова), Давид Давидян (маримба), который уже в начале нынешнего учебного года привез II премию международного конкурса духовых и ударных инструментов (Италия) и Андрей Мисик (класс народной артистки Украины, кандидата искусствоведения, профессора Татьяны Веркиной).

Вечером 1 октября в Харьковском Национальном университете искусств им. И.П. Котляревского торжественно открылся Камерный зал. 7 долгих лет шла борьба с арендаторами и вот обновленный, сверкающий зал с белым роялем, теплый и уютный открыл слушателям свои двери. Честь первыми выступать на его сцене выпала молодым музыкантам – ученикам и выпускникам Харьковской специализированной музыкальной школы-десятилетки и участникам фестиваля «В гостях у Айвазовского», которому в этом году тоже исполняется 20 лет. Камерная программа, которую предоставили музыканты, поражала огромным стилевым разнообразием, многообразием составов, сложностью исполняемой музыки, слаженностью ансамблей. Можно только поздравить молодых музыкантов и по-хорошему позавидовать их трепетному желанию исполнять шедевры камерной музыкальной классики.

Корнющенко Маргарита
IV курс кафедри театрознавства Статтю підготували:
студентка ІІІ курсу кафедри
театрознавства Вікторія Варич;
лаборант кафедри
майстерності актора Прево Марія Елена Лисовенко Елена Лисовенко Елена Лисовенко Инна Обозная, музыковед Елена Садовникова Елена Лисовенко Александр Здолбников
Фото Виталия Нетяги Костюкова Аліна Наталья Ходакова, музыковед

Светлана Анфилова, музыковед Дмитрий Мельник

Олеся Пупина Лиля Ерехова Беседу провела Е. Лисовенко Екатерина Жигалова Инесса Шульга, I курс
Фото автора Вера Мовчан Елена Лисовенко "You have got to 'embrace' your instrument. Never push the piano away".
"Ты должен "обнимать" свой инструмент. Никогда не отталкивай фортепиано". Елена Лисовенко Юлия Николаевская
Благодарность Валентину Смолянинову за нюансы перевода В такт музыке звучит мой метроном,
Пока дышу, пока не грянет гром.
(М. Черкашина, «Ода Дню музыки») Елена Лисовенко

Повернутися